Segunda-feira tem seleção brasileira na Rede Cineart. Salas dos shoppings Del Rey, Boulevard e Itaú Shopping transmitem mais uma partida do Brasil na Copa do Mundo, desta vez contra o México. Além do conforto do cinema e das telonas, o público ainda pode torcer para em grande estilo com o Kit Copa: 1 camisa personalizada + 1 pipoca grande + 2 refrigerantes de 700 ml. E a promoção vai continuar a cada jogo da nossa seleção. Os interessados podem adquirir os ingressos pelo site www.cineart.com.brou na bilheteria dos cinemas. Nas demais unidades da Rede Cineart, as salas retomam o funcionamento normal logo após as partidas. Tags: #SelecaoBrasileira, #cinemas.cineart, #CopadoMundo, #Brasil, #KitCopa, #CinemanoEscurinho
Benício Del Toro e Josh Brolin retornam a seus personagens nesta continuação do sucesso de 2015(Fotos: Richard Foreman Jr./ Studiocanal)
Maristela Bretas
Se em "Sicário - Terra de Ninguém" (2015), o diretor Denis Villeneuve entregou um excelente filme, com roteiro na medida de Taylor Sheridan, expondo a violência e a crueldade do tráfico de drogas, além das ótimas interpretações de Josh Brolin, Benicio Del Toro e Emily Blunt, o mesmo não acontece com "Sicário - Dia do Soldado". Exceto pela ausência da atriz, nem mesmo Brolin e Del Toro conseguem salvar o roteiro confuso desta continuação, que deixa uma série de dúvidas.
O roteirista é o mesmo, mas o diretor Stefano Sollima preferiu fazer uma colcha de retalhos de assuntos, misturando narcotráfico com tráfico de pessoas, terrorismo islâmico passando pela fronteira do México com a ajuda dos cartéis. Depois desfaz tudo, esquece o início e parte para o problema da imigração ilegal e do negócio lucrativo que esta modalidade de crime representa. Mas sem aprofundar no assunto. E para quem não assistiu o primeiro, Sicário, no México, significa assassino de aluguel. Mas só lá no finalzinho o termo vai ter algum sentido no filme.
"Sicário - Dia do Soldado" é um filme de ação, que conta com as ótimas atuações de Benício Del Toro como o misterioso "colaborador" da CIA, Alejandro Gillick, e Josh Brolin, interpretando o agente da CIA, Matt Graver, ambos mais maduros em seus papéis. Mas o roteiro fica "muuuuuuuuito" aquém do primeiro, uma produção tensa, com suspense que prende na cadeira e personagens cruéis na guerra entre os cartéis mexicanos e os EUA. Este segundo longa tenta mostrar que as decisões políticas é que vão definir os rumos da história, mas o diretor fica batendo cabeça, sem saber como explicar toda a ação. Acaba por usar o sequestro da adolescente Isabel Reyes (papel de Isabela Moner, de "Transformers: O Último Cavaleiro" - 2017), filha de um chefão do narcotráfico, como pano de fundo para justificar a abordagem. Chega num ponto que você fica sem saber qual é o foco do filme - o combate ao narcotráfico, uma apologia à política armamentista norte-americana ou somente um sequestro que toma um rumo não esperado. Saem as pilhas de corpos espalhados por Juarez, na fronteira do México com os EUA, mas continuam as operações secretas - "agora sem regras", como diz o título, como se isso não tivesse acontecido no primeiro. Mas o que mais pesou (não por culpa dos dois personagens principais que são ótimos) foi o fato do filme ter perdido sua principal característica - a frieza de Graves e Alejandro. Eles se tornam mais humanos e sentimentais, e ganham até um "tiquinho" de escrúpulos com os inimigos.
O pior fica por conta de Alejandro que, de advogado do cartel de Medelin (Colômbia) do primeiro filme, acaba criando uma relação quase de pai e filha com a jovem sequestrada. Graves, mesmo com liberdade para agir como quiser (o que não é verdade), também passa a não aceitar cometer determinados por ordem dos chefões de gabinetes - o secretário de Justiça, James Riley (papel de Matthew Modine) e a chefe da CIA, Cynthia Foards (vivida por Catherine Keener, um desperdício de talento).
Colocados todos estes pontos, mesmo assim recomendo assistir "Sicário - Dia do Soldado" para quem gosta de muito tiroteio, ação, boas perseguições e emboscadas e da dupla principal. A trilha sonora é boa, mas não tão impactante. Aconselho ver o antecessor primeiro para entender melhor os personagens e alguns pontos que ficaram no ar no segundo.
Ficha técnica: Direção: Stefano Sollima Produção: Lionsgate Distribuição: Sony Pictures Duração: 2h02 Gêneros: Suspense / Ação País: EUA Classificação: 16 anos Nota: 3 (0 a 5)
Marie-Francine e Miguel dividem os mesmo problemas de separação com filhos e sem uma casa própria para viverem (Fotos: Jean Marie Leroy/Gaumont Productions)
Mirtes Helena Scalioni
Não dá muito pra entender por que traduziram o título "Marie-Francine" para "50 são os novos 30", filme em cartaz pelo Festival Varilux de Cinema Francês 2018, com distribuição no Brasil pela Cineart Filmes. Dá até pra imaginar que os tradutores quiseram reforçar uma nova verdadezinha que, às vezes, rola nas redes sociais, segundo a qual, é cada vez maior o número de descasados maduros que, devido à crise financeira, são levados a voltar para a casa dos pais. Não dá pra saber se a máxima é baseada em alguma estatística confiável, mas é possível assegurar que, como versão para o nome do longa em questão, foi uma forçada de barra.
É certo que o filme fala exatamente disso, das contingências que levam uma mulher de 50 anos, Marie-Francine a retornar à casa dos pais após perder um emprego de mais de 10 anos e de levar um fora do marido que, claro, a trocou por uma mulher mais nova. Sem dinheiro e sem muito diálogo com as filhas adolescentes, só resta a Marie-Francine apelar para o aconchego do seu antigo lar.
Ao montar uma lojinha de cigarros eletrônicos para ajudar nas despesas, ela conhece Miguel (Patrick Timisit) que, descobre-se, está na mesma situação que ela. Talvez isso tenha encorajado os tradutores a apelar para "50 são os novos 30", numa alusão a uma geração de 30 anos que, hoje, se acomoda na segurança da casa de papai e mamãe.
A atriz principal, que faz o papel título e a irmã gêmea dela (Marie-Noëlle), é a excelente Valérie Lemercier, que por sinal é também a diretora do filme e uma das roteiristas. Isso já seria um ótimo motivo para respeitar o título original. "50 são os novos 30" é uma comédia, na verdade, uma boa comédia romântica, o que, em teoria, abre janelas para certa licença poética. O grande diferencial do longa é sua nacionalidade. Impressionante como os filmes franceses, não apenas os desse gênero, são absurdamente mais coloquiais do que os seus semelhantes americanos.
Nada de mulheres lindíssimas e gostosas, nada de homens malhados, nada de caras, bocas e poses. O charme das obras francesas, não só desse gênero, é a naturalidade das interpretações. A mulher está sempre descabelada, o homem é careca, as roupas são comuns. Estão ótimos também Hélène Vincent e Philipe Laudenbacsh como os pais de Marie-Francine.
Um detalhe: ao falar de espaço e privacidade, "50 são os novos 30" fala também de uma Paris de apartamentos minúsculos e apertados, de escadas compridas e elevadores mínimos. E, embora, a certa altura, o enredo parta para uma espécie de acomodação para um final esperado, não se pode negar que há sim um jeito de "filme francês" que é irresistível. Além do idioma, lógico.
Outro detalhe típico que encanta são as comidas. Como o personagem Miguel trabalha em um pequeno restaurante, há muitas delícias harmoniosamente arranjadas em pratos ou tigelinhas. Tudo muito simples, mas com um toque de requinte como convém ao modo francês de ser. E como de costume, um toque musical brasileiro estilizado - romance ao som da versão francesa de "Balancê, balancê", sucesso de carnaval de Gal Costa de 1979. Duração: 1h35 Classificação: 12 anos Distribuição: Cineart Filmes
O filme utiliza de diversos artifícios para despertar medo e evita a conhecida técnica do susto a partir de mudanças abruptas (Fotos: Splendid Films/Divulgação)
Carolina Cassese
Considerado pela crítica um dos filmes mais aterrorizantes do ano, “Hereditário” estreou no Brasil na última quinta-feira. O longa é centrado na história de Annie Graham (interpretada por Toni Collette), uma galerista que vive com o marido e os dois filhos. Após a morte de sua mãe, toda a família passa a ser aterrorizada. A filha mais nova, Charlie (Milly Shapiro), é especialmente afetada, já que tinha uma relação próxima com a avó. A narrativa é, sem dúvidas, sobre uma tragédia familiar.
O filme utiliza de diversos artifícios para despertar medo e evita a conhecida técnica do jump scare (susto a partir de mudanças abruptas). Inova também por evitar utilizar a música para antecipar as ações assustadoras e por não apresentar nenhuma entidade maligna. É um terror inteligente e bem desenvolvido (o chamado "pós-horror"). A ambiguidade é um elemento presente em toda a narrativa.
O longa é da produtora A24, também responsável pelo filme “A Bruxa”, de 2015. Os dois filmes têm em comum um bom desenvolvimento de trama e um ritmo mais lento, que não dá soluções imediatas ao espectador. Após ser exibido no Festival de Cinema de Sundance, “Hereditário” foi também comparado com o clássico "O Exorcista".
Sabe-se que o gênero terror é considerado "desgastado" e até mesmo "menor" por boa parte da crítica e do público. "Hereditário", no entanto, foi aclamado justamente por fugir dos clichês. Ocupa um lugar de prestígio entre os críticos, ao lado dos recém-lançados "Corra" (2017) e "Um Lugar Silencioso" (2018). O trabalho de Ari Aster na direção não deixa a desejar. A relação estabelecida entre as casas em miniatura, construídas por Annie, e a casa da família Graham é sem dúvidas um acerto, e passa a impressão de que tudo que acontece ali está sendo operado por uma força maior.
No elenco, que tem ainda Gabriel Byrne (o marido Steve), Alex Wolff (o filho Peter) e Ann Dowd (a amiga Joan), o destaque é a atuação de Toni Collette. A personagem principal é construída com cuidado e complexidade, merecedora de uma indicação ao Oscar pelo desempenho, mas sabe-se que, na história da academia, somente 14 filmes de terror receberam indicações de seus atores. Tenso e angustiante, especialmente a partir do segundo arco, "Hereditário" tem tudo para ser realmente o filme mais assustador do ano. A premissa de uma família assombrada por forças sobrenaturais está longe de ser inédita, mas o excelente uso da linguagem cinematográfica torna a película inovadora. Duração: 2h06 Classificação: 16 anos Distribuição: Diamond Films
Rachel Weisz e Rachel McAdams entregam ótimas interpretações das amigas que vivem um romance intenso e proibido (Fotos Sony Pictures/Divulgação)
Maristela Bretas
Tenso, envolvente, "Desobediência" ("Disobedience") é um romance de narrativa simples que vai ganhando força à medida que se aproxima o momento de reencontro pleno entre as duas protagonistas - Ronit (linda e fortemente interpretada por Rachel Weisz) e Esti (Rachel McAdams, que não fica atrás em interpretação). O amor contido, guardado e sofrido por anos vai ganhando força a cada cena, mesmo com toda vigilância da comunidade ortodoxa judaica onde vivem e que parece ter olhos em cada esquina.
A história foca exatamente neste preconceito arraigado, e começa de forma simples mas sem muitas explicações, a partir da morte do pai de Ronit, o rabino que comandava uma pequena comunidade ortodoxa judaica nos arredores de Londres. Ela deixou a cidade e a família há anos e foi ser fotógrafa em Nova York. Seu retorno é visto com desagrado por familiares e integrantes do grupo. Ronit representa uma ameaça às tradições e o risco de provocar "reações desagradáveis de comportamento" em Esti, a quem amou na adolescência. Um amor proibido, entre duas mulheres, tratado como uma doença de cabeça que só poderia ser consertada com um casamento arranjado para manter as aparências.
Outro que se mostra abalado com a chegada da fotógrafa é Dovid Kuperman (Alessandro Nivola, que também entrega ótima interpretação), amigo de infância e ex-namorado abandonado por Ronit e agora marido de Esti. Está formado o triângulo amoroso de renúncias e desejos.
O drama não é uma crítica à religião, mas mostra como algumas regras ortodoxas condenam e punem o amor entre duas pessoas e definem os destinos de uma comunidade. Os personagens anseiam pela liberdade, todos estão insatisfeitos, e aqueles que resolvem mudar o rumo imposto, são exilados. Ronit e Esti são as maiores vítimas disso e acabam afastadas, vivendo em mundos e realidades diferentes. Mas nem mesmo a distância conseguiu mudar o que uma sente pela outra.
Dovid sabe disso e não consegue evitar, apenas viver segundo a fé e os preceitos que lhe foram ensinados. Mas até mesmo ele se sente prisioneiro do que lhe foi determinado desde pequeno pelo rabino chefe e a comunidade. Ele teme que a chegada de Ronit destrua sua falsa vida perfeita de homem bem casado e sucessor do comando. E torce para que sua estadia seja bem breve. As cenas de beijos e relação entre as duas Rachels são as mais esperadas e foram bem conduzidas, de intensidade moderada mas que passam bem o desejo das personagens de se tocarem e ficarem juntas novamente. Uma relação furtiva, de duas amantes que se portam como adolescentes fazendo algo proibido, o que não deixa de ser pela situação em que se encontram.
O primeiro beijo após a volta, o local onde se encontravam quando jovens ao pé da árvore, a escapada para um quarto de hotel. Rachel Weisz e Rachel McAdams tiveram muita química em todo o filme, principalmente nas cenas mais íntimas, e o diretor Sebastián Lelio soube captar com muita sensibilidade, explorando cores, ângulos e o talento das duas atrizes.
O cinza e o preto são predominantes em "Desobediência", tanto na típica paisagem inglesa, quanto nas roupas usadas pelos frios e desconfiados membros da comunidade (verdadeiros corvos).
O que dá um tom ainda mais ameaçador e frio para quem chega de fora. Os diálogos funcionam como desabafos, esclarecendo ao espectador o que aconteceu no passado e o que nunca foi dito. Até o momento em que é preciso definir como ficará a relação Ronit/Esti/Dovid depois do reencontro. Baseado no livro de Naomi Alderman, o filme tem de tudo um pouco do que se esperava de um tema que provoca e instiga - drama, romance, amor entre duas mulheres, busca pela aceitação, arrependimentos, resignação, desejo de liberdade, preconceito e tradições. Imperdível, principalmente pelas atuações femininas, dignas de um Oscar.
Ficha técnica: Direção e roteiro: Sebastián Lelio Produção: Sony Pictures / Film4 / Filmnation / Braven Films / Element Films Distribuição: Sony Pictures Duração: 1h54 Gêneros: Drama / Romance País: EUA Classificação: 14 anos Nota: 4 (0 a 5)
Chris Pratt e Bryce Dallas Howard se unem a Daniella Pineda e Justice Smith para tentarem salvar os dinossauros da extinção (Fotos: Universal Pictures/Divulgação)
Matheus Ciolete
Para quem, assim como eu, cresceu na década de 90 e estava considerando "Jurassic World" uma oportunidade nostálgica de reconexão com o mundo daquele ótimo "Parque dos Dinossauros" (1997), como chamávamos o filme nos corredores da escola, desconsidere. Abandone a hipótese de o longa, fique em casa, abra o baú, busque lá no fundo aquele álbum velho de figurinhas do chocolate Surpresa e gaste as duas horas e dez minutos de duração do filme passando folha por folha relembrando como eram bons aqueles tempos, longínquos, quase jurássicos, onde os filmes de dinossauros eram bons.
Todo o mundo jurássico criado pela “desextinção” dos dinossauros está ameaçado por um vulcão em iminente erupção. A ilha Nublar corre perigo e, portanto, é preciso resgatá-los. Para essa missão a mocinha Claire (Bryce Dallas Howard), ativista de uma sociedade que existe com o intuito de proteger os dinos, tem que retirar Owen (Chris Pratt) de uma espécie de autoexílio para ajudá-la na missão. Esta é a premissa de "Jurassic World: Reino Ameaçado", que estreia oficialmente nesta quinta-feira mas já está sendo exibido em dezenas de salas de BH.
Owen é o corajoso, herói sem medo do perigo, e com sede de aventuras, mas que tropeça às vezes por um excesso de vontade aliado a uma inanição intelectual. Claire é a mocinha piedosa, movida pelos mais sinceros sentimentos de amor e de preservação da espécie (jurássica, no caso). O restante da equipe do bem é formado por Franklin (Justice Smith), o nerd medroso e Zia Rodriguez (Daniella Pineda), uma mistura de Velma do Scooby-Doo com aluna de comunicação, embora nerd, é cool, tatuadinha, corajosa e se impõe no ambiente de trabalho.
E para o lado do mal vão: Eli Mills (Rafe Spall), o traidor ganancioso e Ken Wheatley (Ted Levine), um mercenário que, quem diria, participa de planos maquiavélicos por dinheiro. No meio desses personagens temos Maisie (Isabella Sermon), a neta de Lockwood. Uma personagem criança cuja missão seria desencadear a reflexão profunda sobre manipulação genética versus a ordem natural das coisas. O que não acontece.
É um filme de entretenimento, nos moldes clássicos, que faz de tudo para que o espectador esteja imerso na história, e nesse ponto o trabalho do diretor Juan Antonio García Bayona parece ter surtido algum efeito. Há algumas, raras, sequências que realmente funcionam, gerando certa ansiedade e, às vezes, dando sustos no público apesar do fraquíssimo roteiro. A valer, sequência digna de destaque mesmo, somente a primeira, em que um T-Rex vai se apresentando na tela em meio a raios, pouco antes de começar a perseguir um homem que estava na ilha.
Não há muito mais o que destacar, pois mesmo com o auxílio da tecnologia Imax 3D, que ajuda, e muito, no processo de penetração da audiência no mundo ficcional projetado na tela (tanto pela ilusão de proximidade com as cenas, quanto pela sofisticada dinâmica som-ambiente-imagem). Durante quase todo o filme, a relação de transparência entre espectador e a estória é comprometida pelo irrealismo dos efeitos especiais que têm seu ponto crítico na ligação dos dinossauros com a lei da gravidade, ou melhor, a falta de ligação. Isso incomoda o espectador mais atento e se torna obstáculo para que a conexão aconteça.
Esta opacidade, em oposição à transparência pretendida, se torna um problema ainda maior por se tratar de um filme inserido na tradição clássica do cinema norte-americano, o modo dominante no cinema mundial. Esses filmes se perpetuaram pela predominância de uma espécie de cinema com características bem definidas, fáceis de identificar: narrativa linear, núcleo central definido por um personagem principal ou um casal, coerência e verossimilança dos fatos. Tudo convergindo para o fácil entendimento do público da história que está sendo contada.
Justamente por apostar num cinema já consagrado, com fórmula definida, "Jurassic World: Reino Ameaçado" não poderia pecar onde peca. Não bastasse o problema com a computação gráfica, erra também em aspectos básicos. Como quando Owen, momentos depois de ter sido sedado instantaneamente, aparece em pleno auge da eficiência física, senhor de todas as suas funções motoras, correndo de um bando de dinossauros, numa das muitas perseguições que ocorrem no filme.
Aliás, não é exagero dizer que toda a ação em "Jurassic World: Reino Ameaçado" se resume em alguém fugindo de alguém ou de algo (um dinossauro), da forma mais literal possível. Todas as sequências de ação propriamente ditas são montagens paralelas de um dinossauro perseguindo alguém em alternância com alguém fugindo do dinossauro. Ou seja, todo o drama é mecânico e está diretamente relacionado com o tempo de locomoção dos envolvidos. Basear o drama psicológico da produção em um pega-pega entre dinossauros e humanos seria cômico se não fosse trágico, na verdade, é trágico e simultaneamente risível.
Ficha técnica: Direção: Juan Antonio Bayona Produção: Universal Pictures / Amblin Entertainment Distribuição: Universal Pictures Duração: 2h10 Gêneros: Aventura / Ficção científica / Ação País: EUA Classificação: 12 anos
A morte do ditador russo gera uma disputa acirrada pela sua sucessão no comando da poderosa União Soviética (Fotos: Nicola Dove/Divulgação)
Mirtes Helena Scalioni
Que ninguém se engane. "A Morte de Stalin" é uma comédia escancarada, quase uma chanchada. Ao escolher esse caminho para falar de política e de políticos, o diretor e roteirista Armando Iannucci não deixa pedra sobre pedra e não tem piedade dos poderosos. Após a morte inesperada do ditador Joseph Stalin - muitos o colocam bem posicionado no ranking dos homens mais cruéis da história mundial - um grupo do Partido Comunista quase se engalfinha na disputa pela sua sucessão.
Nesse sentido, ficam claras a falta de regras objetivas e a fome de poder dos homens do alto escalão, entre eles Beria (Simon Russell Beale), Malenkov (Jeffrey Tambor), Molotov (Michael Palin) e Nikita Khrushchev (papel de Steve Buscemi), que acabou ficando com o trono. Nos muitos encontros e reuniões dos seis membros do comitê, o que se vê são indecisões, fofocas, alianças e negociatas. Na verdade, Josef Stalin, interpretado por Adrian McLoughlin, aparece pouco. Após sua morte, contada de forma hilária, quase com humor negro, toda a acidez do roteiro se volta para a luta dos membros do partido. A entrada em cena dos dois jovens filhos do ditador, Vasily (Rupert Friend) e Svetlana (Andrea Riseborough), ambos de lucidez duvidosa, é um capítulo à parte no filme. Agem como rebeldes sem causa e não se interessam o mínimo pelo sofrimento do povo. O exagero das interpretações ajuda a ridicularizar o momento.
Pode ser que alguns não gostem da forma que Iannucci escolheu para falar de um período tão sangrento e triste da uma história relativamente recente. Afinal, Stalin morreu em 1953. Mas a verdade é que a comédia, aquela que tem sarcasmo e traz o riso nervoso, pode ter seu valor artístico, além de ser produtiva e útil. E leva à reflexão. Principalmente quando o tema, embora histórico, seja tão atual: "Farinha pouca, meu pirão primeiro". A produção está em exibição na sala 1 do Belas, com sessões às 16h40 e 21h30. Duração: 1h48 Classificação: 16 anos
Bella Thorne e Patrick Schwarzenegger formam o belo casal que só pode se encontrar à noite (Fotos: Diamond Filmes/Divulgação)
Mirtes Helena Scalioni
Há dois tipos de filmes que fazem chorar. O primeiro carrega na trilha sonora, exagera nas canções melosas, escancara dramas e tragédias, explora desencontros. O segundo guarda sutilezas, deixa pistas, traz metáforas, tem poesia, valoriza silêncios. No primeiro caso, o espectador se esquece do que viu dois quarteirões depois que sai do cinema. No segundo, o público leva a história para casa, guarda, reflete e continua se emocionando com ela. "Sol da Meia-Noite" ("Midnight Sun"), dirigido por Scott Speer, se encaixa com perfeição na lista do primeiro grupo.
Histórias que envolvem doenças graves costumam não ter erro quando a ideia é fazer chorar. Se a doença for rara e acometer um personagem jovem e bonito, aí é tiro certeiro. Melhor ainda se a vítima da tal doença se apaixonar por alguém que promete amá-la para sempre. É o caso de "Sol da Meia-Noite". Devia ser praxe a gentileza de entregar lencinhos ao espectador junto com os ingressos, mesmo sendo classificado como filme adolescente, praticamente uma sessão da tarde.
Katie Price (Bella Thorne) tem 17 anos e, desde que se entende por gente, tem consciência de que não pode se expor minimamente à luz do sol sob pena de ter um grave e mortal câncer de pele. Portadora de Xerodermia Pigmentosa, ela vive em sua casa praticamente na penumbra e só raramente sai à noite. Mora com seu pai, Jack Price (Rob Riggle), um fofo que faz tudo para que a filha não se entristeça nem se sinta muito diferente. Sua única amiga é a também fofa Morgan (Quinn Shephard), que não se incomoda de brincar com ela só à noitinha.
Enquanto passa seus dias no quarto, a jovem assiste à vida pela janela, de onde se acostuma a ver Charlie Reed (Patrick Schwarzenegger, cópia fiel no sorriso e na voz do pai, Arnold Schwarzenegger) - primeiro criança, depois já adulto - e, claro, se apaixona por ele. Mas ela só vai se encontrar com seu amado numa das raras noites em que sai de casa para tocar e cantar suas canções na estação de trem. Para enternecer ainda mais o público e tentar amolecer os corações, "Sol da Meia-Noite" mostra paisagens belíssimas, sempre contrastando visões noturnas e diurnas. Não há como não chorar. Ainda bem que o final não é óbvio, o que confere certo mérito ao filme. Duração: 1h33 Classificação: 12 anos Distribuição: Diamond Filmes
Cineart Boulevard Shopping tem feito sessões especiais adaptadas a cada dois meses (Foto: Sessão Azul/Divulgação)
Maristela Bretas
Sábado é dia de cinema. O Cineart Boulevard Shopping, em parceria com o projeto Sessão Azul, vai dedicar a exibição das 11 horas da sala 1, no dia 16 de junho, a uma turma muito especial que vai poder curtir a divertida animação "Gnomeu e Julieta: Os Mistérios do Jardim", em versão dublada. Crianças com distúrbios sensoriais, especialmente as que sofrem com o Transtorno do Espectro do Autismo (TEA), e suas famílias terão a sessão de cinema adaptada. Os ingressos devem ser adquiridos na bilheteria do cinema e a meia entrada vai valer para todos.
A proposta é possibilitar a ambientação de crianças com TEA no cinema, permitindo a este público frequentar sessões regulares ao longo do tempo. Na sessão não haverá trailers comerciais, a sala de cinema vai permanecer com luzes levemente acesas, o som ficará mais baixo e a plateia tem liberdade de circulação e expressão, como cantar, andar, dançar e gritar. Em Belo Horizonte, as sessões são realizadas com o apoio do Centro de Medicina Integrada Victus, Coordenação Motora Infantil, Coletivo Padecendo no Paraíso e Sair do Casulo.
Sessão passada no Cineart Boulevard Shopping (Foto: Sessão Azul/Facebook)
“Cada sessão conta com profissionais devidamente capacitados, que fazem o acompanhamento e a orientação às famílias de forma que as sessões funcionem como uma espécie de treinamento para as crianças na adaptação ao ambiente do cinema. Também há orientações para os pais sobre como lidar com as dificuldades de adaptação da criança ao novo ambiente, de forma que auxiliem diretamente para realizar e facilitar esta ambientação”, detalha a psicóloga Carolina Salviano, uma das idealizadoras do projeto e fundadoras da CapaciTEAutismo.
Sessão passada no Cineart Boulevard Shopping (Foto: Sessão Azul/Facebook)
A decisão de iniciar a realização destas sessões, segundo ela, ocorreu após a entidade observar vários casos em que as famílias de pessoas com o Transtorno do Espectro do Autismo deixavam de ter um convívio social maior por receio da reação do autista em locais com muitos estímulos – como ir ao shopping, restaurantes, frequentar festas ou ir ao cinema. Além das poucas as opções de entretenimentos especializados para estas famílias no Brasil.
Sessão passada no Cineart Boulevard Shopping (Foto: Sessão Azul/Facebook)
“Entendemos que o cinema exerce um papel de inclusão extraordinário que não podemos deixar de fora. Promover atividades culturais é uma extensão do trabalho terapêutico e o cinema é, também, uma forma de engajar familiares neste processo. A Cineart tem investido em parcerias que viabilizem o acesso de crianças e adultos que têm algum tipo de limitação às salas de cinema e o projeto Sessão Azul é uma delas”, reforça o gerente geral da Rede Cineart, Lúcio Ottoni. O projeto Sessão Azul é realizado a cada dois meses em Belo Horizonte, sempre no Cineart Boulevard Shopping. As próximas sessões estão planejadas para os dias 18 de agosto, 20 de outubro e 15 de dezembro (sábados). A escolha do filme fica a critério do público, por meio de votação no sitehttp://www.sessaoazul.com.br.
"Gnomeu e Julieta: Os Mistérios do Jardim" (Foto: Paramount Pictures/Divulgação)
Sobre o filme Dirigido por John Stevenson, o filme conta a história dos gnomos Gnomeu e Julieta, que chegam à Inglaterra, preocupados em preparar o jardim para a primavera e rever os amigos britânicos. No entanto,a dupla começa a perceber que os gnomos estão sendo sequestrados em toda a cidade. Eles recrutam os famosos detetives Sherlock Gnomes e seu fiel parceiro Watson para investigar o mistério do desaparecimento dos gnomos do jardim de Londres. A comédia de animação é uma sequência de "Gnomeu e Julieta" (2011) e foi produzida pela Metro Goldwyn Mayer, Paramount Pictures e Rocket Pictures, com 1h27 de duração e classificação livre. Serviço: Cineart e projeto Sessão Azul para crianças com Transtorno do Espectro do Autismo Data: 16/06 (sábado) Horário: 11 horas Local: Sala 1 - Cineart Boulevard Shopping - Avenida dos Andradas, 3000 - 3ª piso - Santa Efigênia Ingressos: na bilheteria, ao preço único de R$ 12,80 (meia para todos) Versão: Dublada Duração: 1h27 Classificação: Livre
O filme, dirigido por Maria Augusta Ramos, não tem a intenção de ser panfletário e não distorce informações (Fotos: Vitrine Filmes/Divulgação)
Carolina Cassese
Com o objetivo de retratar o processo de impeachment de Dilma Rousseff, o filme “O Processo”, dirigido por Maria Augusta Ramos, estreou nos cinemas no último dia 17. O documentário se destaca por não apresentar entrevistas ou intervenções diretas, apenas cenas dos bastidores, e pode ser conferido na sala 3 do Cine Belas Artes, sessão às 16h40.
Diante do turbulento contexto político do Brasil, não é espantoso que os espectadores do longa sejam reativos às cenas. Especialmente quando figuras como Eduardo Cunha, Aécio Neves e Antonio Anastasia aparecem na tela, o público explicita seu desprezo. O filme não tem a intenção de ser panfletário e não distorce informações (diferentemente do que acontece em “O Mecanismo”), mas dá mais espaço para os petistas, especialmente para Gleisi Hoffmann, Lindbergh Farias e José Eduardo Cardozo. A calma de Hoffmann contrasta com a efusividade de Lindbergh, e Cardozo é o responsável pelos comentários mais ponderados.
Em entrevista à Carta Capital, Maria Augusta Ramos comentou sobre a produção do filme “O Processo”. Sobre a parcialidade do documentário, Ramos pontuou: “Não é que seja a perspectiva da defesa: eu acompanho muito mais os bastidores da defesa porque a defesa me deu esse acesso. Eu tive acesso a reuniões da liderança da esquerda, da minoria que era contra o impeachment. A oposição não me deu esse acesso. Se tivesse dado, eu certamente teria filmado mais. Mas eu acho que era importante, sim, apresentar o argumento da direita, o argumento pró-impeachment. Para expor isso, eu escolhi, por exemplo, o senador Cássio Cunha Lima, que tem uma lógica de argumentação inteligente, ou que, pelo menos, faz sentido”.
Outra figura defensora do impeachment que aparece frequentemente na tela é Janaína Paschoal, jurista brasileira. Ela é responsável pelas cenas mais cômicas do filme - aparece fazendo alongamentos e tomando Toddynho no Senado. A relação de Paschoal com a religião fica explícita, já que na maioria de seus discursos contra Dilma ela evoca a figura de Deus (e da família tradicional brasileira). As expressões faciais dos personagens representados, que Maria Augusto Ramos capta com brilhantismo, dizem mais do que seus discursos.
O longa ganha também por ter um enfoque bem definido. A diretora não tem a intenção de, por exemplo, retratar todas as manifestações a favor e contra Dilma - apenas as que acontecem em Brasília. Figuras emblemáticas no atual contexto político brasileiro, como Lula e Sérgio Moro, praticamente não aparecem no longa (já que a intenção é realmente tratar sobre o processo de impeachment de Dilma).
“O Processo” não é um filme leve de se assistir, mas é fundamental para um maior entendimento da atual conjuntura social e política do Brasil. Escancara justamente o impeachment que a grande mídia evitou mostrar: inconsistente, misógino e revanchista. “Eu não acredito em neutralidade, acho que um filme é uma visão de mundo. Meu filme é o meu statement, é a interpretação da minha experiência cinematográfica vivendo e filmando tudo o que aconteceu (...). Mas eu também não estou aqui para explicar, especialmente numa situação tão complexa quanto essa. O que eu quero é possibilitar questionamentos”, afirmou Ramos. Classificação: Livre Duração: 2h17
