Pioneirismo, revelações e histórias de racismo fazem de “Othelo, o Grande” um documentário imprescindível

Longa dirigido por Lucas Rossi levou dez anos para ficar pronto e procura intercalar a vida pessoal e a
carreira do ator (Fotos: Davi G. Goulart)

Mirtes Helena Scalioni

Pode parecer, a princípio, que o grande mérito do documentário de Lucas Rossi seja mostrar às novas gerações o tamanho da importância do comediante Grande Otelo (1915-1993). Mas não é só isso. 

Quem teve oportunidade de acompanhar a carreira do ator, vai ficar sabendo um pouco mais sobre a vida desse homem múltiplo, nascido em Uberlândia, chamado Sebastião Bernardes de Souza Prata. “Othelo, O Grande” estreia nos cinemas em Belo Horizonte no dia 5 de setembro.

Narrado pelo próprio artista em primeira pessoa, o documentário que, segundo o diretor, levou dez anos para ficar pronto, procura intercalar fatos da vida pessoal atribulada de Sebastião com sucessos de sua carreira. Principalmente quando ele era contratado da Atlântida e lotava os cinemas do país com suas saborosas chanchadas. 

O lado ruim desse jeito de contar a história é que o espectador não fica conhecendo casos e características de Grande Otelo vividos e percebidos pelas pessoas que conviveram com ele.

Embora misture vida pessoal e trabalho, o filme peca também por não localizar a época dos fatos. Num momento o homem está chorando por causa de suas tragédias familiares e, no próximo minuto, o artista está em cena rindo e fazendo rir. Faltam referências, datas. 

O longa tem a participação especial da atriz Zezé Motta como narradora e traz imagens raras de arquivo, feitas em pesquisas na Cinemateca Brasileira.

Uma curiosidade revelada no filme, e que talvez a maioria do público não saiba, é o motivo pelo qual o pequeno Sebastião Prata passou a ser conhecido – até internacionalmente – como Grande Otelo. 

Homem de muitos talentos, ia fácil do drama à comédia, o artista foi também exímio compositor de sambas, alguns deles presentes no documentário, com destaque especial ao histórico e nostálgico “Praça Onze”, parceria com Herivelto Martins.

Produzido pela Franco Filmes, “Othelo, o Grande” tem parceiros poderosos na produção como Globo Filmes, RioFilme, Canal Brasil e Globonews. A princípio, isso facilitaria a divulgação e exibição do trabalho, que já foi vencedor do Prêmio Redentor de Melhor Documentário no Festival do Rio.

Careteiro e de humor mais escrachado, o comediante faz questão de salientar, em suas falas, as participações em filmes fora do circuito da chanchada. Trabalhou com diretores ditos sérios como Joaquim Pedro de Andrade, Werner Herzog, Nelson Pereira dos Santos e até o norte-americano Orson Welles. Afinal, foram mais de 100 filmes.

Neto de escravos e órfão, Sebastião comeu o pão que o diabo amassou, desde que se mudou para o Rio de Janeiro acompanhando uma companhia teatral que passou por Uberlândia. 

Não por acaso, o documentário é todo permeado por questões raciais, evidenciando as humilhações que o ator viveu até ser o primeiro protagonista negro do cinema brasileiro. Em muitos deles, quando chegava para trabalhar, Grande Otelo tinha que entrar pela porta dos fundos por causa de sua cor.

Ficha técnica:

Direção: Lucas H. Rossi
Produção: Franco Filmes, em coprodução com Globo Filmes, GloboNews, Canal Brasil e RioFilme
Distribuição: Livres Filmes
Exibição: Centro Cultural Unimed BH - Minas
Duração: 1h22
Classificação: 12 anos
País: Brasil
Gênero: documentário

Lento e arrastado, “Salamandra” é confuso, mal contado e não prende o espectador

Drama estrelado pela atriz francesa Marina Foïs e o brasileiro Maicon Rodrigues se passa em Olinda e Recife (Fotos: Pandora Filmes)

Mirtes Helena Scalioni

É possível arriscar que apenas as pessoas que leram o romance do mesmo nome são capazes de entender – e gostar – do filme “Salamandra”, primeiro longa do diretor Alex Carvalho, que estreia no Centro Cultural Unimed BH - Minas. 

A começar pelo lugar onde se passa a história, nada é muito claro no drama estrelado pela atriz francesa Marina Foïs. Não fosse o apoio da Secretaria de Cultura de Pernambuco explícito no início da projeção, o que leva o espectador a deduzir que tudo acontece em Olinda e Recife, sequer a locação estaria clara.

A sinopse do filme, baseado no romance "La Salamandre", de Jean-Christophe Rufin, diz que a história trata da vinda de Catherine (Marina Foïs) para o Brasil, após a morte do pai. 

Aqui, ela pretenderia se reconectar com a irmã, vivida por Anna Mouglalis e casada com Ricardo (Bruno Garcia). Mas logo nos primeiros dias se apaixona pelo jovem Gilberto, interpretado por Maicon Rodrigues, apesar de todas as censuras e desigualdades entre os dois.

A começar pelo título, “Salamandra” deixa muitas pontas soltas, levando o espectador a um verdadeiro jogo de adivinhação. Aos poucos, vai-se descobrindo que o jovem negro Gilberto é uma espécie de rato de praia, vivendo de pequenos trambiques. 

Mas nada abala a paixão da francesa, que se entrega ao romance, apesar das diferenças entre eles. Quem se interessar em pesquisar, vai descobrir que salamandra é um anfíbio semelhante a um lagarto, cuja imagem é associada ao fogo e, com algum esforço, à paixão.

Com duração de cerca de quase duas horas, o filme se arrasta em cenas longas e lentas, inclusive as de sexo entre Catherine e Gil, evidenciando a diferença dos corpos e da cor da pele dos dois. Os demais atores, como Bruno Garcia, Attan Souza Lima (como Pachá, ex-patrão de Gil) e outros, apenas gravitam em torno dos dois protagonistas sem interferência ou vida própria.

Com alguma boa vontade, é possível enxergar algum discurso antirracista e até alguma referência às desigualdades sociais e aos relacionamentos em que a mulher é mais velha do que o homem. Mas é preciso muita boa vontade para gostar de uma história tão mal contada, tão sem pé nem cabeça. Haja paciência pra buscar significados e metáforas.

Ficha técnica
Direção e roteiro: Alex Carvalho
Produção: NFilmes, Cinenovo, Scope Pictures, coprodução Canal Brasil e Telecine
Distribuição: Pandora Filmes
Exibição: Centro Cultural Unimed BH - Minas, sala 2, sessão 20h10, somente nos dias 27 e 30 de junho e 2 de julho
Duração: 1h56
Classificação: 18 anos
Países: Brasil, França, Alemanha e Bélgica
Gênero: drama

“13 Sentimentos” - um olhar sobre o envolvimento emocional em tempos de relações efêmeras

Daniel Ribeiro volta às telonas com filme que aborda relacionamentos amorosos e temáticas LGBT
(Fotos: Thi Santos e Luiza Aron)

Eduardo Jr.

Chega nesta quinta-feira (13) aos cinemas brasileiros o longa "13 Sentimentos”, de Daniel Ribeiro. Distribuído pela Vitrine Filmes, o longa confirma o gosto do diretor em abordar relacionamentos amorosos e temáticas LGBT, como ocorreu no romance adolescente “Hoje Eu Quero Voltar Sozinho”, de 2014. 

A diferença é que, desta vez, o brasileiro desenvolve uma história sobre namoro, aplicativos de relacionamento e controle sobre a vida com personagens já adultos.       

A estreia, marcada para o dia seguinte ao Dia dos Namorados, pode animar na busca pela metade da laranja. No filme, João (Artur Volpi) é um cineasta recém-saído de um namoro de dez anos com Hugo (Sidney Santiago), do qual sobrou como recordação um cubo mágico (sim, aquele brinquedo desafiante para girar, mexer, mudar o ponto de vista em busca de uma suposta harmonia). 

O jovem busca um novo amor e, quando acha que encontrou, tenta conduzir essa relação como se fosse o novo filme que está escrevendo - e é claro, se a arte imita a vida, esse romance não vai obedecer a um roteiro. 

Uma das coisas interessantes sobre “13 Sentimentos” é que o longa é uma resposta de Daniel a outro filme, “45 Dias Sem Você” (2018), que foi realizado por seu ex, Rafael Gomes, baseado no término da relação dos dois. 

Agora, Daniel se debruça sobre seus próprios sentimentos, sobre a possibilidade de se abrir para uma nova relação e sobre se enxergar, se conhecer.  

Nessa jornada, o protagonista João conta com o apoio da amiga lésbica que não quer morar com a namorada e do amigo que tem pavor de relacionamentos. Os dois parecem ambientados à modernidade dos aplicativos de relacionamento, e João também embarca nessa onda. 

A edição do longa se aplica nessa tendência, apresentando telas divididas, que se movimentam de forma ágil, tal qual o texto se desenvolve na obra. 

Dentro do longa, o protagonista escreve um filme que, a cada momento, parece ser um equívoco. Até que o surgimento de um affair vai transformando os dias do cineasta e suas ideias sobre o que está escrevendo. Mas as tentativas de conduzir a paquera como se estivesse construindo um roteiro se mostram infrutíferas. 

O namoro dá errado, o projeto do filme vai naufragando, e as contas pra pagar também começam a tirar a paz de João. Como num simulacro da vida amorosa, a vida profissional também parece desmoronar, até que um novo campo de trabalho se abre. 

Neste ponto, o filme vai se desconectando da modernidade das telas dos smartphones e ganhando um tom mais reflexivo. As metáforas escolhidas pelo diretor revelam que talvez algumas relações sejam idealizadas e que não se conhece tanto assim o outro (ou a si mesmo). 

Mas para recuperar essa chacoalhada no público (e amenizar algumas cenas com cenários que deixam os olhos incomodados tamanha a falta de zelo com a estética), a música de Tim Bernardes se encaixa na trama, quase traduzindo o filme - ou nos dando um aprendizado sobre a vida. 

Pois ela também depende de mexer aqui, ajustar ali, mudar o ponto de vista até que os quadradinhos do cubo mágico estejam em harmonia (ou será que, melhor que um cubo montado é o caminho até chegar a esse momento?). Só indo aos cinemas pra conferir e encontrar a melhor resposta pra você. 

Ficha Técnica:

Direção: Daniel Ribeiro
Produção: Lacuna Filmes, Claraluz Filmes, Canal Brasil, Telecine
Exibição: nos cinemas
Duração: 1h40
Classificação: 16 anos
País: Brasil
Gêneros: romance, comédia

Documentário “Verissimo” adentra a intimidade do tímido e excepcional escritor gaúcho

Produção de 2016 dirigida por Angelo Defanti é definida como "coerente" com a personalidade do escritor (Fotos: Boulevard Filmes)

Eduardo Jr.

Há quase oito anos, o escritor gaúcho Luis Fernando Verissimo teve seu cotidiano retratado em um documentário dirigido por Angelo Defanti. Sua primeira exibição ao público foi na Mostra Competitiva de Longas Brasileiros no Festival É Tudo Verdade. 

Agora, “Verissimo”, chega aos cinemas nesta quinta-feira (2), distribuído pela Boulevard Filmes, para mostrar a rotina do introvertido autor de algumas das mais engraçadas crônicas já publicadas. 

Mas não espere muitos momentos de humor dessa produção. Para quem se encanta e se diverte com os textos saídos da mente criativa do autor de “Comédias da Vida Privada”, “Ed Mort” e “Todas as Histórias do Analista de Bagé”, o longa pode ser decepcionante.

O diretor e suas câmeras se instalaram na casa do escritor para acompanhar a rotina do cronista, em setembro de 2016, 15 dias antes do aniversário de 80 anos de Verissimo. 

E não há muita emoção em assistir um octogenário caladão observar sentado à movimentação da casa, fazendo fisioterapia ou escrevendo ao computador. 

Para alguns pode ser uma resposta para o questionamento sobre como Verissimo consegue ser tão engraçado e observador. Talvez por seu jeito, de falar menos e ouvir mais, o escritor consiga captar tantas coisas e elaborar respostas bem-humoradas. 

Aliás, o humor aparece nas entrevistas. O escritor se diz desconfortável em ser entrevistado, mas não sabe dizer não, e as perguntas algumas vezes rendem respostas engraçadas. 

A sabedoria para preencher páginas também serve para divertir platéias. Mas parece não salvar o gaúcho do desconforto nas sessões de autógrafos. 

No final das contas, talvez o documentário possa ser definido como ‘coerente’ com a personalidade do retratado. É calmo, leve. Até na própria festa de 80 anos, Verissimo só interage quando perguntado. 

É mais dado a expor suas ideias digitando no computador, em noites silenciosas como ele mesmo. Continua morando em Porto Alegre e cuidando da saúde.

Ficha técnica:

Direção: Angelo Defanti
Produção: Sobretudo Produções, Lacuna Filmes, Canal Brasil
Distribuição: Boulevard Filmes, Vitrine Filmes e Spcine
Exibição: nos cinemas
Duração: 1h27 minutos
Classificação: livre
País: Brasil
Gênero: documentário

"Ó Paí, Ó 2" utiliza uma trama simples para reforçar a importância da representatividade negra na tela

Lázaro Ramos protagoniza novamente o personagem Roque, que se une à comunidade para ajudar uma
amiga e preservar a tradição do Pelourinho (Fotos: Divulgação) 

Marcos Tadeu
Narrativa Cinematográfica

Mais de 15 anos após o primeiro filme retornamos ao cortiço de Dona Joana com Roque contextualizando o que mudou ou não nesse período e buscando seu espaço como artista negro. Este é o enredo de "Ó Paí, Ó 2", que está em cartaz nos cinemas. 

O protagonista, novamente interpretado por Lázaro Ramos, persiste em viver de sua música. No longa fica evidente como a cultura branca é mais facilmente aceita e como é mais simples excluir um negro do mercado musical do que inseri-lo.

O cerne deste segundo longa parte de uma premissa simples: todos na comunidade se unem para salvar o bar de Neuzão (Tânia Toko), que foi vendido a outro dono, deixando-a sem teto e sem meios de subsistência. 

Encontramos Dona Joana (Luciana Souza), uma mulher solitária e complexa, ainda lidando com o luto pela morte de seus filhos. Essa ausência a assombra e confronta, levando-a a adotar três crianças de rua. 

A obra aborda a questão do despejo de forma séria, unindo antigos personagens, como Maria (Valdinéia Soriano) e Reginaldo (Érico Brás), Yolanda (Lyu Árisson), mãe Raimunda (Cássia Valle) e Matias (Jorge Washington) aos novos moradores. Eles planejam uma festa para Iemanjá como estratégia para arrecadar fundos e salvar o bar. 

A nova geração demonstra resiliência ao criar o metaverso, utilizando o conceito da internet como um espaço para compartilhar suas experiências sobre os dilemas relacionados à cor da pele, desafiando normas e enfatizando a importância da resistência para superar padrões preestabelecidos. 

É interessante ver como "Ó Paí, Ó 2" se preocupa em mostrar o verdadeiro lugar do negro e onde ele deve se posicionar na sociedade. Talvez a falha esteja em não inserir figuras baianas icônicas no Pelourinho, o que poderia ser uma oportunidade para mostrar como os jovens se relacionam com essa tradição.

Viviane Ferreira, responsável pela direção, reforça a ideia de que os direitos dos negros não devem ser ignorados nem excluídos pela sociedade. O roteiro não apenas discute questões raciais, mas também de gênero e sexualidade, evidenciando a luta contínua da mulher negra e do transexual, visível na tela.

Quanto à parte musical, a produção é só elogios. Lázaro Ramos está maravilhoso em sua performance e voz, unindo não apenas os personagens na tela, mas também atraindo o público espectador. Nomes como Margareth Menezes (que interpreta ela mesma), Baiana System, João Gomes e Olodum contribuem para uma trilha sonora sinérgica e alegre.

"Ó Paí, Ó 2" é leve e divertido, mas também uma peça importante para a cultura negra. Mostra como cada história é relevante, especialmente em um país racista onde, por vezes, o óbvio precisa ser reiterado e exposto.

Ficha técnica:

Direção: Viviane Ferreira
Produção: Dueto Produções, Casé Filmes, coprodução Globo Filmes e Canal Brasil
Distribuição: H2O Films
Exibição: nos cinemas
Duração: 1h30
Classificação: 14 anos
País: Brasil
Gênero: comédia

"Notícias Populares" resgata o jornalismo sensacionalista dos anos 1990

Série nacional celebra os 25 anos do Canal Brasil com sete episódios a cada sexta-feira, a partir de hoje
(Fotos: Arthur Costa/Canal Brasil)

Eduardo Jr.

O jornal “Notícias Populares”, que fez fama em São Paulo pelas manchetes e pautas escandalosas, está de volta aos holofotes. Mas agora em formato audiovisual. A publicação, que circulou entre 1963 até 2001 virou série, batizada com o mesmo nome. A estreia acontece nesta sexta-feira (29) e a primeira temporada tem sete episódios gravados, com exibição a cada sexta-feira, sempre às 22h30.

A produção é parte das comemorações dos 25 anos do Canal Brasil e também será disponibilizada no Globoplay +. André Barcinski e Marcelo Caetano assinam a criação e o roteiro da obra, que traz de volta algumas das matérias que viralizaram (antes mesmo de o termo entrar na moda).

Para quem não conheceu o jornal, será a chance de se espantar e se divertir com casos como o do “bebê diabo”, a “revolta das prostitutas”, ou tentar desvendar alguns easter eggs, como o da atriz da novela das oito que mantinha um romance regado a drogas com outro ator durante as gravações.

Caminhando entre a comédia e o absurdo, a série traz sete capítulos, de aproximadamente 45 minutos cada. A história se passa em 1993, uma época em que assinatura de jornal não era tendência, sendo preciso fazer com que as notícias vendessem o máximo possível de jornais impressos. 

“Notícias Populares” é uma série de ficção, baseada no humor popular e nos excessos. Um exemplo disso vem logo nas primeiras cenas, que mostram um homem de cueca em pleno ambiente de trabalho, e na parede, muita mulher pelada. Está dado o recado de que aquele é um ambiente machista.

A trama começa a se movimentar com a chegada de uma correspondente internacional, que sai de Paris para modernizar o jornal (que é uma subdivisão de menor prestígio da Folha de São Paulo). 

O editor Matias, vivido por Rui Ricardo Diaz (“Lula, O Filho do Brasil”, 2009), apresenta essa nova colega como uma profissional que veio “direto do rio Sena para o rio Tietê”.

A reação de incredulidade que temos diante dessa frase é a mesma que se estampa no rosto da jornalista Paloma Fernandes, personagem da atriz Luciana Paes (“Divórcio”, 2017) ao se deparar com aquela redação bagunçada. 

E a redação é um caso à parte. O cenário poluído, com muitas cores, foi reconstruído no prédio da Folha de São Paulo, a partir de imagens da antiga sala onde o jornal funcionou.

Também foram resgatados alguns objetos originais da equipe do "NP". Chega a lembrar Almodóvar. Inclusive, uma das personagens do cineasta espanhol, Andrea Caracortada (papel de Victoria Abril, no filme “Kika”, 1993), serviu de inspiração para Bruna Linzmeyer (“O Filme da MinhaVida”, 2017) dar vida a Rata, uma repórter de TV que atravessa o caminho do periódico.

O jornal marcou seu nome na história não só por trazer assuntos que paralisavam trabalhadores em frente às bancas de revistas, mas também por falar a língua do povo, se distanciando das redações silenciosas e sem emoção, frequentemente retratadas em Hollywood.

Na coletiva on-line para lançamento da série, conversamos com os diretores e elenco, e descobrimos que o "NP" teve a primeira colunista social negra. O papel da personagem Greta ficou a cargo da atriz Ana Flávia Cavalcanti (“Corpo Elétrico”, 2017).

O elenco conta também com Ary França (“45 do Segundo Tempo”, 2022) e Rejane Faria (“Marte Um”, 2022). A atriz mineira vive a fotógrafa Marina, e por meio dela se percebe que o "Notícias Populares" atuava numa ética diferente. 

Em nome de uma boa foto, ela pede pra polícia alterar uma cena de crime, virando para a câmera o rosto de um bandido, morto por um justiceiro que era considerado herói na comunidade.

Com isso, a série nos convida a refletir que isto não é fator de condenação para o jornal. Segundo Rui Ricardo Diaz, o "NP" era um microcosmo do país. 

Se, assim como nos anos 1990, ainda hoje convivemos com pedidos de vingança contra a criminalidade, com manchetes que parecem ter sido inventadas de tão absurdas, o jornal está errado em refletir aquilo que somos enquanto sociedade?

A criação de conteúdo e os métodos de investigação do “Notícias Populares” foram traduzidos para as gerações atuais graças ao conhecimento do diretor. 

Barcinski foi repórter do “NP” e, além de ter vivido parte daquela história, pesquisou mais de mil exemplares para selecionar quais seriam as histórias representadas na série. O resultado promete divertir.

Nos episódios liberados para a equipe do Cinema no Escurinho, algumas subtramas ficam pelo caminho, mas é possível que sejam esmiuçadas no futuro, caso se concretize uma segunda temporada. 

A gerente de programação, aquisições e projetos do Canal Brasil, Marina Pompeu, disse que será preciso um teto financeiro mais favorável para executar uma continuação da série. Para um jornal que estampou na capa a espantosa manchete “Jacaré cocô levou meu filho”, material é que não falta!

Ficha técnica:

Direção: André Barcinski e Marcelo Caetano
Produção: Kuarup Produção e Canal Brasil
Exibição: todas as sextas-feiras, no Canal Brasil, com reprises nas segundas, às 2h15; terças, às 21h45; madrugadas de quarta para quinta, à meia-noite
Duração: 45 minutos
País: Brasil
Gênero: comédia

"Andança - Os Encontros e as Memórias de Beth Carvalho" estreia no Canal Brasil

Documentário apresenta um vasto acervo de imagens dos 53 anos da carreira da Madrinha do Samba
(Fotos: Divulgação)

Da Redação

O Canal Brasil estreia nesta quarta-feira (9), às 20 horas, em sua grade, o documentário "Andança - Os Encontros e as Memórias de Beth Carvalho", dirigido por Pedro Bronz. 

A exibição faz parte da faixa "É Tudo Verdade". O longa, lançado nos cinemas em fevereiro deste ano, traz detalhes e imagens nunca antes divulgadas da trajetória pessoal e musical da Madrinha do Samba, que morreu em 2019.

O filme exibe um vasto acervo de imagens documentadas por Beth Carvalho ao longo dos 53 anos de palcos e pagodes, para traçar um recorte único e íntimo da carreira e vida dessa singular figura da cultura nacional.

Carioca, se aproximou da música através da bossa-nova, aos poucos descobriu a riqueza do samba e transformou esse gênero no pilar principal de sua carreira a partir da década de 1970. O documentário ressalta outras duas paixões: pelo time de futebol Botafogo e pelo ativismo político. 

A cantora documentou, ao longo de seus 53 anos de música, diversos momentos, encontros e ensaios de várias formas, por meio de uma Super-8, VHS, mini-DV, fita K7 e até fotos com celular, algo incomum entre os artistas de sua geração.

Beth Carvalho, frequentadora assídua de pagodes, entre eles os do Cacique de Ramos, foi eternizada como Madrinha do Samba por ter resgatado compositores tradicionais como Cartola e Nelson Cavaquinho. Também foi responsável pela revelação de artistas como Zeca Pagodinho, Almir Guineto, Sombra, Sombrinha, Arlindo Cruz, Luis Carlos da Vila, Jorge Aragão, o grupo Fundo de Quintal e muitos outros. 

Cantora, compositora e instrumentalista, ficou conhecida, também, por ter trazido para o gênero musical no Brasil uma sonoridade específica ao introduzir em seus shows e discos instrumentos como o banjo com afinação de cavaquinho, o tan-tan e o repique de mão, que até então eram utilizados exclusivamente nos pagodes do Cacique. 

A música que intitula o documentário, "Andança", composta por Danilo Caymmi, Paulinho Tapajós e Edmundo Souto, foi o primeiro grande sucesso gravado por Beth e deu nome ao primeiro LP da cantora. O samba conquistou o 3º lugar do Festival Internacional da Canção, em 1968. 

Ficha técnica:

Direção: Pedro Bronz
Produção: TV Zero, Canal Brasil, Globo Filmes
Exibição: Canal Brasil
Duração: 1h55
Classificação: livre
País: Brasil
Gêneros: documentário, biografia

"Me Chama Que Eu Vou", um passeio pela vida e carreira de Sidney Magal

Documentário foi premiado em Gramado e conta com entrevista inédita com o cantor (Fotos: Rodrigo West/Divulgação)

Marcos Tadeu
Blog Narrativa Cinematográfica

Cantor romântico, apaixonado, louco, maravilhoso, narcisista, um misto de Elvis Presley e John Travolta. Esses são os adjetivos que descrevem Sidney Magal e poderão ser conferidos no documentário "Me Chama Que Eu Vou", que chega aos cinemas nesta quinta-feira (12). 

Um ponto bem positivo da produção foi colocar o próprio Sidney Magal para contar casos e momentos especiais durante os anos dourados de sua carreira. 

Premiada no Festival de Gramado, a obra é dirigida por Joana Mariani e mostra curiosidades do cantor, considerado brega por uns e ídolo por muitos. 

Do artista é mostrada sua excentricidade, explorada de maneira bem divertida. Destaque para Sônia Magalhães, sua mãe, uma grande incentivadora para que ele seguisse o sonho de se tornar cantor. 

Entre as curiosidades relatadas por Magal está a escolha do nome artístico. O primeiro foi Sidney Soni (unindo com o de sua mãe), para depois se tornar Sidney Rossi (graças a um laboratório farmacêutico. 

No início dos anos 1970, graças ao dono de uma boate na Europa, o sobrenome foi reduzido para Magal para facilitar a pronúncia em qualquer lugar do mundo. Nascia Sidney Magal.

No documentário também é apresentada a primeira música de sucesso, gravada no primeiro CD - "Se te Agarro Com Outro te Mato", nos anos de 1980. 

A canção foi inicialmente um desastre, até que foi contratado Robert Livi, um argentino que entendia bem do mercado latino-americano. Na época, ele foi responsável por sucessos de artistas brasileiros como Alcione, Peninha e Sidney Magal. 

Falar de Sidney Magal é falar sobre fenômenos musicais como "Me Chama Que Eu Vou" (que dá nome ao documentário), “Amante Latino”, “Meu Sangue Ferve Por Você”, “Tenho”, “A Moça” e muitos outros sucessos.

Especialmente "Sandra Rosa Madalena" ou "Santa Rosa" como alguns brincam. Essa canção foi o estouro na vida do artista, cuja trajetória foi cercada por polêmicas desde cedo, sobre o jeito de se vestir, à questão da sexualidade e seu estilo de música. 

Em uma das cenas mostradas, quando Sidney Magal muda o cabelo e para de dançar, existe certo estranhamento e mais polêmica. Lembra o que Elvis Presley passou por um momento parecido. 

No lado pessoal do artista somos surpreendidos com uma mudança completa na postura e na forma de vestir. O Magalhães gosta de roupas floridas e bem tropicais. 

Já o Magal usa blazers purpurinados e brilhantes. Isso também é contado nos depoimentos da esposa Magali West e do filho Rodrigo em momentos familiares. 

Outro momento bem engraçado é como Magali e Sidney são bem opostos, ela gosta de vermelho, ele de preto, ele é subjetivo, ela é prática. Talvez a única coisa em comum seja o fato de os dois amarem joias, gosto que vem do sucesso da música "Sandra Rosa Madalena".

Cafona ou cult são partes que deram o que falar sobre a relação do público que escuta o artista. Magal era considerado cafona pela classe média e isso de fato fazia parte da personalidade do artista. 

Após uma publicação na revista Trip em 2003, que elevava e respeitava a carreira do cantor, houve uma ruptura neste conceito. Ele passou a ser ouvido e admirado até pela classe alta, o que reforçou suas excentricidades e ajudou a criar histórias pouco faladas.

"Me Chama Que Eu Vou" é um delicioso passeio sobre a vida de Sidney Magal. Para mim valeu muito, não sabia dessas curiosidades. 

Indico assistir a produção no cinema para os fãs de todas as gerações que queiram saber mais sobre este versátil artista, que passou pela música, cinema (inclusive como dublador de animação), teatro e até novelas.

Ficha técnica:

Direção: Joana Mariani
Produção: Mar Filmes e Maya Filmes, em parceria com a Globo News, Canal Brasil e Globo Filmes
Distribuição: Vitrine Filmes
Exibição: nos cinemas
Duração: 1h10
Classificação: 10 anos
País: Brasil
Gêneros: documentário, biografia

“Marte Um”: de Contagem para o mundo, com esperança e afeto

É no personagem Deivinho e seu sonho de ser astrofísico que a história marca seu diferencial (Fotos: Embaúba Filmes)

Mirtes Helena Scalioni

O filme é meio triste, mas terno. Talvez se possa resumir assim o longa “Marte Um”, mais um trabalho produzido pela Filmes de Plástico, da turma de Contagem, desta vez dirigido por Gabriel Martins (“No Coração do Mundo” - 2019). 

Incensado pela crítica e aprovado pelo público, o filme foi pré-selecionado para representar o Brasil no Oscar 2023 depois de abocanhar prêmios em Gramado. 

Sem suspenses nem sustos, sem sequências de ação ou cenas de grandes reviravoltas dramáticas, a vida de uma família de negros da periferia da Região Metropolitana de BH é contada como se deve: naturalmente, sem enfatizar alegrias nem dores. Sem carregar nas tintas.

A família comandada por Wellington (Carlos Francisco, “Arábia” - 2017 e “Bacurau” - 2019) e Tércia (Rejane Faria, “No Coração do Mundo”) é como tantas outras na sua estrutura e cotidiano. Ele é porteiro e zelador de um condomínio de classe média alta, e ela é faxineira diarista. 

Ambos parecem cientes dos seus deveres e em paz com as limitações impostas pela dureza da vida. Os filhos - a jovem universitária de Direito Eunice (Camila Damião) e o menino Deivinho (Cícero Lucas) - vivem suas rotinas de escola, futebol, baladas, cervejas, estudos, paqueras, redes sociais e, claro, sonhos - de um jeito que parece equilibrado.

É no personagem Deivinho que a história marca seu diferencial. Como pode um menino negro e pobre querer ser astrofísico em vez de jogador de futebol como deseja com empenho seu pai? 

Que direito tem esse pirralho de querer chegar tão alto, sonhando, inclusive, fazer parte da comitiva que, no ano 2030, vai sair da Terra embarcada num foguete rumo à colonização do planeta vermelho? Pois esse menino míope e franzino quer nada mais, nada menos, do que fazer parte da missão Marte Um.

A grande magia do trabalho de Gabriel Martins, que também cuidou do roteiro, é que tudo, desde os pequenos conflitos, dúvidas, doenças, vícios, diferenças e celebrações, absolutamente tudo é administrado com amor e união. 

Reside aí o encantamento de “Marte Um”, que não se parece em nada com outras tantas produções que têm favelas e periferias como cenário. Trata-se de um filme sincero e honesto.

É tudo tão natural que há momentos em que o espectador pode ter a sensação de estar vendo um documentário. As interpretações, todas irrepreensíveis, fortalecem essa ideia. Nada se fala de política, mas a TV, ligada em alguns momentos, deixa escapar que estamos vivendo no início da era Bolsonaro. 

Ninguém discute nem faz discursos, nem mesmo quando Eunice revela sua vontade de sair de casa para viver a própria vida, ou quando Tércia, traumatizada depois de ter sido vítima de uma brincadeira de mau gosto, decide fazer uma viagem para simplesmente descansar.

Os cenários, figurinos e trilha sonora garantem a veracidade das cenas, tanto na casa da família, que não deixa de festejar aniversários, apesar do arrocho financeiro, quanto nas baladas frequentadas por Eunice ou nas reuniões de Alcoólicos Anônimos, onde Wellington aparece periodicamente. 

Ao mesmo tempo, nada peca pelo exagero, não há clichês ou estereótipos. Tudo está na medida da verossimilhança.

Em tempos de polarização, radicalismos e violências, “Marte Um” fisga o público, mas cai leve no coração do espectador, como se quisesse mostrar que pode haver outro caminho e que há sim, espaço para a fé no outro. Como já disse o conhecido poeta e cordelista Bráulio Bessa, “enquanto houver um abraço, há de haver esperança”.

Ficha Técnica

Direção e roteiro: Gabriel Martins
Produção: Filmes de Plástico / coprodução Canal Brasil
Distribuição: Embaúba Filmes
Exibição: nas salas Cineart Ponteio (sessões 18h30 e 21 horas), Cinemark Pátio Savassi (sessão 15h30) e UNA Cine Belas Artes (sessões 14h, 16h20, 18h20 e 20h30)
Duração: 1h54
Classificação: 16 anos
País: Brasil
Gênero: drama