Representante dinamarquês na corrida pelo Oscar 2025 de Melhor Filme Internacional, "A Garota da Agulha" ("Pigen Med Nålen") chegou à plataforma Mubi no dia 24 de janeiro. Dirigido por Magnus Von Horn, o longa é um conto sombrio e cruel sobre maternidade após os eventos da Segunda Guerra Mundial.
A história acompanha Karoline (Victoria Carmen Sonne), uma jovem operária que enfrenta a pobreza e uma gravidez indesejada na Copenhague pós-guerra. Desesperada, cruza o caminho de Dagmar (Trine Dyrholm), dona de uma loja de doces que, secretamente, mantém uma agência de adoção para mães em dificuldade.
O primeiro destaque do filme é a atuação de Victoria Carmen Sonne. Ela entrega uma protagonista sofrida, mas batalhadora. Mesmo em condições desfavoráveis, Karoline se descobre mãe, mas rejeita o filho ao ser abandonada pelo parceiro, que tinha condições de assumir a criança.
Ser mulher já é difícil; em tempos de guerra, o peso se torna ainda maior. A ajuda vem por meio de Dagmar, uma senhora que cuida de crianças, mas também as usa em atividades ilícitas. Sem casa e sem abrigo, Karoline troca seu leite materno por um teto, desenvolvendo uma relação complexa com a senhoria.
Outro ponto forte do filme são os aspectos técnicos. A fotografia em preto e branco de Michał Dymek cria um contraste perfeito com a atmosfera sombria da história, elevando ainda mais a jornada de Karoline.
A montagem de Agnieszka Glinska dá ritmo ao filme sem torná-lo cansativo, tornando a trajetória da protagonista cada vez mais instigante. O design de produção também merece destaque: as casas, os cenários e toda a ambientação são impecáveis, graças ao trabalho de Jagna Dobesz.
Talvez o único ponto que deixa a desejar seja a falta de aprofundamento na história de Dagmar. Embora isso não prejudique a narrativa, mais informações sobre essa figura dúbia poderiam enriquecer o enredo.
No centro do filme estão a maternidade e seu lado sombrio, além do impacto da guerra e como ela transforma as pessoas — para o bem ou para o mal. Esse é, sem dúvida, um dos grandes acertos do diretor, que conduz a trama com precisão.
"A Garota da Agulha" vale a pena ser conferido, não apenas por sua indicação ao Oscar, mas também por provocar reflexões, especialmente para mulheres e mães, sobre suas escolhas. Um conto quase real que ressoa até os dias de hoje.
Ficha técnica:
Direção: Magnus Von Horn Produção: Nordisk Film, Film i Väst Exibição: Mubi Duração: 2h02 Classificação: 16 anos Países: Dinamarca, Polônia e Suécia Gêneros: drama, histórico
Obras apresentadas no festival tratam de diversas crises políticas atuais (Foto: Carolina V.)
Da Redação
“Vamos tornar os filmes políticos de novo”. Essa foi a principal mensagem do diretor Ali Abbasi, que assina “O Aprendiz” (“The Apprentice”), na première do longa. Um dos destaques da Competição Oficial da 77ª edição de Cannes, o filme é uma tragicomédia que tematiza a ascensão de Donald Trump à fama e fortuna nas décadas de 1970 e 1980.
O elenco é integrado por nomes como Sebastian Stan (muito elogiado pela sua interpretação do político estadunidense), Jeremy Strong (Roy Cohn, advogado de Trump) e Maria Bakalova (Ivana, ex-mulher do político).
Com roteiro assinado por Gabriel Sherman, “O Aprendiz” é centrado nos anos de formação do ex-presidente (e novamente candidato neste ano), com enfoque na difícil relação de Trump com o advogado Roy Cohn, dois homens consideravelmente ambiciosos.
Filme "O Aprendiz" (Fotos: Divulgação)
Ao acompanharmos a história, podemos nos dar conta de que os valores de Trump são de fato compartilhados por muita gente e, ainda, se associam diretamente ao conceito de “masculinidade tóxica”.
Homens que, sob o pretexto de serem “muito verdadeiros” (como se ter um mínimo de civilidade fosse sinônimo de “ser falso”), tratam mulheres como objetos e, ainda, precisam se mostrar como “matadores”.
Esse termo ('killers', no original) aparece diversas vezes ao longo da história: o entorno de Trump (e principalmente o próprio protagonista) acredita firmemente que existe uma divisão entre “matadores” e “perdedores”.
Segundo eles, o primeiro grupo é o único que merece respeito, mesmo que não se importem com o próximo (afinal de contas, os “matadores” também aniquilam uns aos outros).
Logo nos damos conta de que, sim, homens milionários, de terno e gravata, podem ser extremamente violentos. Em diálogo com o filme, um cartaz colocado na Croisette estampava o recado: “A única minoria perigosa são os ricos” ("The only dangerous minority are the rich").
No discurso após a exibição do longa (bastante ovacionado por outros atores, como Cate Blanchett), Abbasi contou que foi desencorajado a realizar o filme, pois lhe disseram que ele deveria falar sobre política de uma maneira mais metafórica ou, ainda, menos personificada.
Cate Blanchett aplaude a atriz Maria Bakalova, do filme “O Aprendiz” (Foto Carolina V.)
Mas Abbasi rebateu: "o que isso significaria? Mais um filme sobre as Guerras Mundiais? Não, agora é preciso falar sobre Trump - até porque contar a história dessa figura é também falar sobre o sistema capitalista e, como dissemos, sobre modelos ultrapassados (mas ainda muito presentes) de masculinidade. É também abordar a noção existente de “América”, essa terra tão idealizada (que, segundo os republicanos mais extremistas, precisa ser “great again” - again)".
Ainda sobre temas sociais, vale mencionar que Blanchett foi à première de “O Aprendiz” com um vestido que, em conjunto com o vermelho do tapete, formava as cores da bandeira da Palestina.
Esse tema evidentemente dialoga com assuntos da política norte-americana, já que os Estados Unidos foram (e seguem sendo) um dos principais aliados de Israel.
Não é difícil nos darmos conta, portanto, de que vivemos tempos urgentes - e o novo filme de Ali Abbasi nos ajuda a ter dimensão da gravidade da situação.
Situação brasileira
Os processos políticos também são o fio condutor do filme “Lula”, assinado por Oliver Stone e Rob Wilson. O longa, que foi apresentado na Sessão Especial do festival, narra a ascensão, queda e retorno do líder brasileiro, com enfoque na jornada das eleições de 2022 para reconquistar a Presidência.
Parte da imprensa brasileira criticou o filme por ser muito “parcial” (a favor do atual presidente), mas, em primeiro lugar, é preciso considerar que Stone não tem a pretensão de se apresentar como um realizador “neutro”, pois seus posicionamentos políticos já são conhecidos.
Documentário "Lula", de Oliver Stone e Rob Wilson (Foto Ricardo Stuckert/PR)
Além disso, a história de Lula foi por muito tempo narrada por meios hegemônicos, a partir de um viés primordialmente favorável às ações de Sérgio Moro, figura que aparece muito no documentário. Vários dos ocorridos, vale lembrar, são extremamente recentes e muitos dos fatos não são inteiramente conhecidos.
Diante do cenário, parece ingênua a defesa (ou até mesmo a crença) de que existe uma suposta “neutralidade” - afinal de contas, não é como se já soubéssemos qual é a maneira “correta” de contar essa história.
Bastante didático, o documentário de Stone se esforça para explicar eventos complexos, como a Lava Jato e, posteriormente, a Vaza Jato. O público majoritariamente estrangeiro da sessão pareceu compreender como funcionam várias das disputas de poder no Brasil, o que é sem dúvidas um mérito de Stone.
De qualquer maneira, existem ainda muitas possibilidades de narrar essas histórias - muito do que acontece no nosso país, como sabemos, “é coisa de filme”.
Karim Aïnouz e elenco de "Motel Destino" (Foto: Steffen Osburg)
Ainda falando de temas urgentes, vale mencionar o documentário “A Queda do Céu”, dirigido pelos brasileiros Gabriela Carneiro da Cunha e Eryk Rocha, que marcou presença na Quinzena dos Cineastas (na Competição Oficial, o Brasil foi representado pelo diretor Karim Aïnouz, com o longa "Motel Destino").
O filme foi inspirado na proposta do livro homônimo, assinado por Davi Kopenawa com o antropólogo Bruce Albert, que apresenta um registro da cosmologia Yanomami.
De maneira bastante respeitosa, a obra apresentada no festival trata sobre a realidade do grupo indígena e, ainda, associa o tema com outras questões climáticas. Como sabemos, o ataque aos povos indígenas é também uma ofensiva contra o planeta.
(Foto: Pedro HG Araújo)
Diante de um cenário mundial tão turbulento (vale lembrar que conflitos como a Guerra da Ucrânia seguem ocorrendo), é esperado que novas obras abordem algumas das mazelas sociais e processos políticos contemporâneos.
A pretensão da maior parte desses filmes não é de oferecer respostas simples, mas, principalmente, de apresentar outros olhares sobre temas tão importantes. Por vezes, o cinema nos ajuda a esquecer dos nossos problemas; em outros momentos, porém, lembrar pode ser um ato de resistência.
Ao suscitar reflexões complexas sobre a busca pela verdade, longa de Justine Triet vai muito além de um clássico drama de tribunal (Fotos: Diamond Films)
Carolina Cassese
Palma de Ouro em Cannes, duas estatuetas do Globo de Ouro e cinco indicações ao Oscar - inclusive o de Melhor Filme. "Anatomia de uma Queda" ("Anatomie d’une Chute"), o longa mais recente da francesa Justine Triet, definitivamente conquistou a aprovação da crítica e tem sido um dos destaques da atual temporada de premiações. Centrado na investigação de um crime, o drama, que já pode ser visto nos cinemas brasileiros, surpreende por reunir atuações ímpares e uma história arrebatadora.
Na primeira cena, vemos a autora Sandra Voyter (Sandra Hüller) falar sobre seu trabalho para Zoé (Camille Rutherford), uma estudante de pós-graduação. Enquanto isso, Samuel (Samuel Theis), o marido da escritora, está no andar de cima do chalé rústico, ouvindo música num volume ensurdecedor. Tal interferência é bastante reveladora: ele não está fisicamente na sala de estar, mas impõe sua presença ao atrapalhar a conversa das duas com o som.
Pouco tempo depois, o marido é encontrado morto na neve, após ter aparentemente caído do sótão onde trabalhava. Porém, após investigações da polícia local, uma pergunta passará a ecoar por todo o longa: Sandra matou Samuel ou ele se jogou pela janela?
Não demoramos a ficar sabendo que o marido havia sido diagnosticado com depressão e vivia angustiado. O casal chegou a atravessar um significativo drama familiar: enquanto Samuel deveria estar vigiando o próprio filho, o menino Daniel (Milo Machado-Graner) sofreu um acidente e passou a ter complicações na visão.
Considerando a importância do conceito de justiça para a narrativa, podemos, quem sabe, associar a limitação visual do garoto com a imagem desse princípio, que carrega uma venda nos olhos - simbolizando a imparcialidade. Mas é realmente possível (e até mesmo desejável) ser “neutro”? Ou, ao julgarmos uma situação, precisamos constantemente tomar decisões, que acabam nos comprometendo com determinado lado?
Essas são apenas algumas das muitas perguntas que emergem a partir dos desdobramentos da trama, cujo título remonta ao clássico "Anatomia de um Crime" (1959), de Otto Preminger.
Ao longo do filme, vamos descobrindo outras informações que deixam a narrativa mais intrincada e repleta de nuances. Esse, aliás, é um dos principais méritos da produção de Triet: a história é realmente complexa e não pretende apresentar respostas prontas ou reviravoltas sem propósito.
Muitos filmes de Hollywood nos viciaram em esperar por plot twists incessantes e extremamente reveladores; essa narrativa francesa, no entanto, nos obriga a fazer as pazes com várias camadas do indecifrável.
Nesse sentido, se os filmes "Vidas Passadas" e "Folhas de Outono" (produções que também têm se destacado na presente temporada de premiações deste ano) subvertem clichês da comédia romântica, podemos dizer que "Anatomia de uma Queda" também não se encaixa num mero estereótipo do gênero, já que o longa é muito mais do que uma típica disputa de tribunal.
Por sinal, os franceses parecem ter uma habilidade especial para conduzirem narrativas intensas e complexas sobre julgamentos: o recente filme "A Acusação" (2022), de Yvan Attal, também apresenta cenas de tirar o fôlego e é bastante eficiente em capturar a atenção do espectador. Nos dois casos, os respectivos casos analisados servem como ponto de partida para a discussão de temas mais amplos.
Como já foi mencionado, "Anatomia de uma Queda" tem marcado presença nas premiações. No caso do Oscar, o filme foi indicado às categorias de Melhor Filme, Melhor Diretor, Melhor Atriz, Melhor Roteiro Original e Melhor Edição. É válido assinalar ainda que a produção levou um par de estatuetas do Gotham Awards (roteiro e longa-metragem internacional) e conquistou o prêmio internacional no New York Film Critics Circle Awards.
Boa parte da crítica destacou o trabalho de Sandra Hüller e, vale dizer, a atriz de fato impressiona ao entregar uma personagem que consegue ser, ao mesmo tempo, impetuosa e significativamente indecifrável.
A duração do filme extrapola muito as duas horas, mas há boas chances de que o público sinta esse tempo passar num piscar de olhos. O tribunal chega a um veredito, mas o espectador não necessariamente irá se convencer de que tem todas as respostas. No entanto, tal sensação não faz com que o longa seja menos satisfatório - ao embarcarmos na intensa jornada de "Anatomia de uma Queda", logo entendemos que não saber faz parte do processo.
Ficha técnica
Direção e roteiro: Justine Triet Produção: MK2 Films, Les Films Pelléas e France 2 Cinéma Distribuição: Diamond Films Brasil Exibição: nos cinemas Duração: 2h30 Classificação: 16 anos País: França Gêneros: crime, suspense, policial, drama
Longa francês leva para a telona o tabu da relação entre uma advogada casada e seu jovem enteado (Fotos: Synapse Distribution)
Eduardo Jr.
É quase incestuoso. E é excitante. Talvez ao assistir “Culpa e Desejo” (“L’été Dernier”, 2023) vocês concordem comigo. O filme de Catherine Breillat, distribuído pela Synapse Distribution, estreia nas salas do país nesta quinta-feira (23), após integrar a programação do Festival Varilux de Cinema Frances. Nele, uma mulher casada se envolve com o enteado que chega para morar na residência do casal.
A protagonista Anne, vivida por Léa Drucker (que está incrível no papel), é uma advogada que precisa se virar em um mundo onde os homens são simplesmente incapazes (acho que não é só ficção…). Ela lida com casos de abusos sexuais contra menores. E de cara o longa mostra que ela sabe bem como a sociedade se comporta quando se trata de culpabilizar a vítima.
Mas ela mesma se torna alvo para julgamentos morais quando o marido Pierre (Olivier Rabourdin) anuncia que Théo (Samuel Kircher), filho dele de um relacionamento anterior, vai morar com eles, e os dois cedem ao tesão.
Theo é a expressão do viço da juventude. Associa beleza e mistério. Anne vai, aos poucos, quebrando a rebeldia do jovem, enquanto se deixa levar pela tensão sexual que cresce entre os dois. A obra, filmada sem música, privilegia a sedução e até momentos de suspense - que chegam a extrapolar a tela, mexendo com as emoções do espectador.
Mas nem sempre a construção do clima é acertada. Na cena em que Pierre se despe no quarto conversando com a esposa, a sedução é crescente, e nota-se um cuidado para não imprimir entre o casal um desleixo que justifique a infidelidade. Ponto positivo.
No entanto, a câmera que prioriza as curvas da protagonista e posições que evocam um erotismo, faz questionar uma objetificação da mulher, uma possível intenção dela em provocar uma situação quase incestuosa. Ponto negativo.
Léa Drucker se veste com o título do filme. Consegue expressar o desejo e a culpa. O desconforto e a alegria com a situação. E também o desespero de quem só quer a proximidade com o amante.
Destaque para a cena em que ela telefona para o marido, que decide fazer uma viagem com o filho, e o quadro na parede do quarto é praticamente um alter ego da protagonista.
Com a apreensão instalada no filme, fica para o espectador a impressão de que o pior vai acontecer - e também de que poderia acontecer mais rápido. Mas no geral, o filme agrada. Se o final é satisfatório, fica a cargo de cada um dar seu veredito.
O fato é que o longa, baseado no filme dinamarquês “Rainha de Copas” (2019) e produzido por Saïd Ben Saïd (de “Bacurau”, 2019), concorreu ao prêmio principal da Palma de Ouro em Cannes este ano. Fala de amor. De culpa. De julgamento. De desejo. De vida real (aquela que muitos tentam esconder sob o tapete).
Ficha Técnica:
Direção: Catherine Breillat Produção: Saïd Ben Saïd Distribuição: Synapse Distribution Exibição: nos cinemas Duração: 1h44 Classificação: 16 anos País: França Gênero: drama
Produção sueca busca indicação de melhor filme internacional no Oscar (Fotos: Pandora Filmes)
Eduardo Jr.
Premiado no Festival de Cannes como “Melhor Roteiro”, o longa “Garoto dos Céus” ("Cairo Conspiracy") está entre os pré-selecionados ao Oscar de melhor filme internacional. A estreia nas salas brasileiras será nesta quinta-feira (19), e o pôster de divulgação já desafia o espectador, ao exibir um jovem na contramão de todos os outros fotografados (afinal, como um muçulmano ousaria ser diferente do seu rebanho?).
E o verbo "desafiar" parece ter sido a motivação do diretor Tarik Saleh. Filho de mãe sueca e pai egípcio, Saleh se aproxima da cultura muçulmana do Egito.
Mas não para ensinar como as coisas funcionam por lá, e sim nos provocar sobre dogmas e a importância do conhecimento. É como se perguntasse “quem sabe o que é melhor para um povo: a religião ou o Estado?”.
Na trama, o jovem Adam (Tawfeek Barhom) ganha uma bolsa de estudos na melhor universidade do Cairo. Filho de pescadores, ele vai atrás da grande oportunidade que se apresenta. Porém, o Grande Imã da universidade, maior autoridade religiosa do Egito, morre. É quando começa a escolha de um novo nome para o cargo.
O jogo político se estabelece a partir das intenções do Estado de que o novo Imã siga a mesma linha de pensamento do governo. Nessa disputa entre religião e Estado, o plano do governo é ter um informante dentro da universidade. E o jovem Adam é o escolhido para repassar informações secretamente.
A tensão do filme fica a cargo dos silêncios - e de algumas ameaças. Aspectos da cultura islâmica que não são questionados, verbalizados, vão criando uma atmosfera de apreensão, dispensando a necessidade de música para guiar o espectador - ponto para o diretor.
No entanto, ainda na questão sonora, alguns diálogos em certos momentos parecem não ter o volume adequado, interferindo na experiência do espectador.
Para os ocidentais, que desconhecem ou estranham alguns pontos da cultura islâmica, o filme consegue criar incômodo por dois motivos: pela representação do machismo, já que não há mulheres com papéis de destaque na trama.
E pela ousadia de abordar um falso moralismo de líderes muçulmanos, a disputa de poder encoberta pela orientação religiosa.
Mas além da ousadia, a jornada do herói também está lá (mesmo que parcialmente). O protagonista tem seus estágios de partida e de enfrentamento de desafios. Mas seu triunfo não é apresentado ao espectador de forma mastigada.
Cabe ao público assistir e decidir se o longa merece ou não a estatueta dourada. Mas isso é outra história, já que a lista definitiva de indicados está prevista para ser divulgada no dia 24 de janeiro.
Ficha técnica:
Direção e roteiro: Tarik Saleh Distribuição: Pandora Filmes Exibição: nos cinemas Duração: 2h06 Classificação: 14 anos Países: Suécia, França, Finlândia e Dinamarca Gêneros: suspense, drama político
Durante o Festival de Cannes, Antonio Banderas disse que ‘teve que matar tudo o que era’ para fazer o filme (Fotos: Manolo Pavón/El Deseo/StudioCanal)
Carolina Cassese
Correspondente no Festival de Cannes
Foi dessa maneira que a crítica definiu "Dor e Glória", o mais novo longa do aclamado diretor espanhol, lançado internacionalmente em maio, no Festival de Cannes deste ano. Com história centrada na vida de Salvador Mallo, diretor de cinema em declínio que relembra sua infância na cidade de Valência, a produção chega aos cinemas brasileiros nesta quinta-feira (13). A narrativa autobiográfica encerra uma trilogia que inclui "A Lei do Desejo" (1987) e "Má Educação" (2004).
O elenco é composto por astros como Antonio Banderas, Penélope Cruz, Asier Etxeandia, Leonardo Sbaraglia e Cecilia Roth. Em Cannes, Banderas recebeu, merecidamente, o prêmio de melhor ator. Em uma coletiva de imprensa, declarou que ‘teve que matar tudo o que era’ para fazer o filme: “Cheguei com uma bagagem hollywoodiana que o personagem não precisava. O que ele precisava era de um Banderas que eu não imaginava ter ainda dentro de mim. Tive de recuperá-lo então. E foi lindo", disse.
Em entrevista ao El País, Almodóvar não poupou elogios ao ator principal: “Antonio passou por três cirurgias de coração aberto, e essa experiência, embora ele não alardeie isso, fica marcada. Felizmente, é ator. E para um ator, assim como para um escritor, não existem as experiências ruins. Até a pior se transforma em outra coisa diante do computador ou em um palco”.
O protagonista, que passa por um prolongado bloqueio criativo, parece estar constantemente solitário e exausto. Quando uma cinemateca espanhola decide resgatar o seu principal longa, ele se vê obrigado a revisitar o filme e acaba retomando laços com o principal ator da produção, Alberto Crespo (Asier Etxeandia). Os dois mantêm uma relação repleta de altos e baixos.
Na trama são abordados temas como o processo de imigração para a Espanha, os primeiros amores, problemas de saúde e a relação com o cinema."Dor e Glória" é um jogo de espelhos: não se sabe bem onde começam e quando se encerram as semelhanças entre Salvador Mallo e Almodóvar. A autoficção, garante o diretor, foi o ponto de partida. Os flashbacks, que se passam na Espanha pós-Guerra Civil, são inegavelmente autorreferentes, mostrando um garoto “diferente dos demais”, apaixonado pela literatura e por cinema. Impossível não destacar a (sempre) marcante presença de Penélope Cruz, que interpreta Jacinta, a intensa mãe de Salvador.
A temática do despertar da sexualidade, sempre presente nos filmes de Almodóvar, é emblemática em "Dor e Glória". Também são dignos de nota outros elementos característicos do diretor, como a presença de figuras femininas fortes e as paisagens vivas do interior da Espanha. O diretor de fotografia José Luis Alcane e o desenhista Antxón Gómez conferem à produção uma riqueza de cores digna de aplausos.
O plano final apresenta um fechamento surpreendente para uma trama intensa, viva e passível de identificação pelo espectador. Depois de três anos de hiato, Almodóvar retorna, no seu melhor estilo, com uma história poderosa - e muito honesta.
Duração: 1h52 Classificação: 16 anos Distribuição: Universal Pictures
Pequena obra-prima do cinema japonês é dirigida de maneira sutil e perfeita por Hirokasu Kore-eda (Fotos: Wild Bunch Distribution)
Mirtes Helena Scalioni
O que determina a formação de um grupo que possa ser chamado de família? Seriam os laços de sangue os imperativos formadores desse grupo? Que personagens, afinal, cabem e estão moralmente aptos a formar uma família? O debate, além de oportuno nesse Brasil de hoje, é o mote principal de "Assunto de Família" ("Manbiki Kazoku"), produção japonesa dirigida e roteirizada por Hirokasu Kore-eda que, segundo consta, tem esse tema como uma constante em sua obra.
E foi com "Assunto de Família" que o diretor conquistou a Palma de Ouro no Festival de Cannes de 2018. O drama também foi indicado ao prêmio de Melhor Filme Estrangeiro do Globo de Ouro 2019 e é o representante do Japão no Oscar deste ano na mesma categoria.
Estranhamente, o filme começa com Osamu Shibata (Lily Franky) ensinando a um menino que parece ser seu filho a praticar pequenos furtos num mercado. Para o espectador, fica claro, logo no início, que o adolescente Shota (Jyo Kairi) tem grande admiração pelo pai/mestre quando os dois saem comemorando o sucesso do roubo, na verdade praticado devido a uma perfeita e bem orquestrada cumplicidade da dupla.
De volta para casa, enquanto caminham por bairros pobres de alguma cidade do Japão, eles se deparam com uma cena que, ao que parece, já conhecem: uma menina de uns três/quatro anos está abandonada, com frio e machucada na porta de casa. Sem muitos questionamentos, como se tudo fosse muito natural, eles levam a menina Yuri (Miyu Sasak) para casa deles com o objetivo de cuidar dela.
"Assunto de Família" surpreende mais ainda quando, ao chegar à casa que parece estar numa favela, os três são recebidos por um estranhíssimo grupo composto por uma senhora que todos chamam de avó (Kiki Kirin), duas mulheres adultas, que o público vai aos poucos identificando como Nobuyo Shibata (Sakura Andô) e Aki Shibata (Mayu Matsuoba).
E é também aos poucos, ao longo dos 120 minutos do filme, que o espectador descobre que aquela é uma família particularíssima, onde vivem numa harmonia possível, ladrões, prostitutas e trambiqueiros. O pequeno espaço, quase claustrofóbico, permite que os conluios e cumplicidades despertem e floresçam. Assim como os afetos.
Filmes sobre famílias costumam ser sempre ricos. Mas esse é particularmente rico porque tem um roteiro hábil. E o diretor, sem nenhum julgamento moral, envolve o público numa trama que, depois, se revela misteriosa, policialesca. Não dá pra saber exatamente quanto tempo aquelas pessoas estão ali, à margem da sociedade.
Mas é possível imaginar que não se trata de pouco tempo porque os moradores enfrentam a neve, a chuva, o calor do verão. Enquanto segredos são revelados, o espectador tem a chance de refletir sobre o encanto de criar e reforçar laços e sobre todos os conceitos a respeito da amizade, o amor e os afetos.
Duração: 2h01 Classificação: 14 anos Distribuição: Imovision
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