"O Dia da Posse" é recorte que torna universais as sensações vividas na quarentena da Covid-19

Documentário é uma redescoberta da vida em um momento marcado por mortes diárias (Fotos: Allan Ribeiro)

Eduardo Jr.

O slogan "uma câmera na mão e uma ideia na cabeça" faz muito sentido se associado ao documentário "O Dia da Posse", que estreou nos cinemas brasileiros, com distribuição da Embaúba Filmes. Brendo Washington e Allan Ribeiro realizaram o longa no apartamento onde vivem, em Copacabana, durante o confinamento da pandemia de Covid-19.

Redescobrir a vida em um momento marcado por mortes diárias. O confinamento como oportunidade de se expor para o mundo. São antíteses que podem ser notadas na obra. Brendo estuda Direito e ali se descobre protagonista, mas parece já ter ensaiado bastante para este momento.

Como está em casa, sem figurinos elaborados, ele desfila diante da câmera, com muita naturalidade, suas visões de mundo, seu sonho de participar do Big Brother Brasil até os textos relacionados à sua posse como presidente do Brasil. Allan Ribeiro dirige o longa, faz as perguntas que dão andamento ao filme e conduz a câmera pelo apartamento - e pelas janelas dos vizinhos, que tentavam se ocupar durante o isolamento social.

O universo dos dois jovens se amplia por meio do celular. As conversas por chamada de vídeo com os familiares colocam em cena alguns assuntos do período mais preocupante da nossa história recente. 

Memórias de infância, comportamentos da geração anterior e afazeres domésticos vão se entrelaçando e trazendo leveza para o documentário. Eventualmente, o espectador pode se ver esboçando sorrisos com o carismático protagonista.

De acordo com Allan, já havia a vontade de fazer um filme com Brendo, que sempre brincou de ensaiar discursos (de campeão do BBB a presidente da República tomando posse). Na quarentena, se tornou viável filmar a convivência dos dois e tornar isso um material cinematográfico.

O longa traz um pouco de cada coisa que todos experimentamos durante a pandemia: momentos de diversão, a espera pela comida, irritação, diálogos sobre memórias... Tornaram-se normais para a sociedade os pequenos ruídos nas produções audiovisuais, as lives com qualidade de som abaixo do esperado e imagens com alguma poluição visual. 

O filme também naturaliza composições de quadros improvisadas, reflexos nas janelas e outros detalhes que não costumam passar batidos em produções hollywoodianas. E tá tudo bem.

Allan Ribeiro se formou em Cinema na UFF em 2006, e já realizou quatro longas: "Esse Amor que nos Consome" (2012), "Mais do que eu Possa me Reconhecer" (2015), "O Dia da Posse" (2021) e "Mais Um Dia, Zona Norte" (2023), que receberam prêmios em festivais como o de Brasília, Olhar de Cinema e o de Tiradentes. Dirigiu ainda alguns curtas, e agora vive a expectativa da estreia, em 2025, de seu novo longa sobre o show de Madonna no Rio.

"O Dia da Posse", com seus 70 minutos de duração, é sensível, nos deixa relaxados, sem a ansiedade de que termine logo. É mais um título disponibilizado pela Embaúba, distribuidora especializada em produções cinematográficas brasileiras.

 

Ficha técnica

Direção: Allan Ribeiro
Produção: Acalante Filmes
Roteiro: Brendo Washington e Allan Ribeiro
Distribuição: Embaúba Filmes

Exibição: sala 1 do Cine UNA Belas Artes

Duração: 1h10
Classificação: 12 anos
País: Brasil
Gênero: documentário

Longa “Zé” retrata vida de militante na ditadura, sem apelar para sangue e violência

Filme do mineiro Rafael Conde aborda impactos pessoais na vida do biografado (Fotos: Luis Abramo)

Eduardo Jr.

Se você acha que o tema “ditadura” já teve suas abordagens esgotadas, pode se ver fisgado pelo novo filme do cineasta mineiro Rafael Conde. “Zé” chega às telonas nesta quinta-feira (29), distribuído pela Embaúba Filmes, e resgata a história verídica de José Carlos Novais da Mata Machado, uma das lideranças do movimento estudantil que foi perseguido e morto pelo regime militar.

O filme é baseado no livro de mesmo nome, escrito pelo cearense Samarone Lima, que investigou documentos da época e entrevistou familiares, amigos e outros militantes. Mas o longa se destaca dos demais por ser quase asséptico. Não espere encontrar soldados de farda, sangue ou cenas de tortura. O impacto na vida do protagonista e das pessoas ao redor é que estão em foco.  

Caio Horowicz dá vida a Zé e emoção às cartas que o militante enviava à família. Morto aos 27 anos, o jovem se dedicou a levar alfabetização e conscientização política a camponeses no Nordeste. Pagou com a própria vida.

No elenco principal estão também Eduarda Fernandes (Bete), Samantha Jones (Grauninha), Rafael Protzner (Gilberto), Yara de Novaes (Dona Yedda), Gustavo Werneck (Edgar) e Alexandre Cioletti (Hélio), além das crianças Richard Paes, Henrico Kneip, Miguel Dias e Ravi Oter.

Neste longa, o espectador em alguns momentos é colocado mais próximo das ações. As câmeras e sequências conseguem provocar suspense, e até antipatizar com algumas personagens. Mas vale a dica para manter os ouvidos atentos, pois o áudio pode deixar a desejar em algumas cenas. 

No geral, é uma obra diferente, que nos enriquece sobre o debate moral e político desse período da nossa história a ser lembrado e nunca mais repetido.  

Ficha técnica:
Direção: Rafael Conde
Roteiro: Anna Flávia Dias e Rafael Conde
Produção: Filmegraph
Distribuição: Embaúba Filmes
Exibição: sala 2 do Centro Cultural Unimed-BH Minas e sala 2 do Cine UNA Belas Artes
Duração: 2 horas
Classificação: 14 anos
País: Brasil
Gênero: drama

"A Flor do Buriti": ode ao povo Krahô e à resistência indígena

Fotografia alterna entre planos abertos e detalhes, revelando o cotidiano e os diálogos de uma vivência indígena (Fotos: Renée Messora)

Silvana Monteiro

Uma produção feita por três nações. Este é o longa "A Flor do Buriti", distribuído pela Embaúba Filmes, que entra em cartaz nesta quinta-feira (4), no Centro Cultural Unimed BH-Minas. O roteiro é assinado pelo português João Salaviza, pela brasileira Renée Nader Messora e pelos integrantes do povo Krahô - Ilda Patpro Krahô, Francisco Hyjnõ Krahô e Henrique Ihjãc Krahô.

Produzido por Julia Alves e Ricardo Alves Jr., da produtora mineira Entre Filmes, a história oferece uma visão documental e holística da vida dos Krahô. O documentário foi filmado durante 15 meses em quatro aldeias diferentes, dentro da terra indígena Kraholândia.

A fotografia alterna entre planos abertos, e planos detalhe, que revelam o cotidiano e os diálogos autênticos de uma vivência indígena. Essa abordagem cinematográfica consegue traduzir o sentimento de um povo cuja história esteve à beira da extinção.

O pajé e os demais parentes do povo Krahô realizam um ritual entoando um cântico à flor do buritizeiro. Curumins com flechas tentam proteger a mata e a aldeia. A menina Jotat é perturbada em seus sonhos por espíritos. 

Sempre vigilante, a curumim que habita o território Pedra Branca, na Kraholândia, norte de Tocantins, preocupa-se com a chegada dos cupé (invasores) à sua terra. Lapsos da memória ancestral marcada pela violência dos fazendeiros criadores de gado.

São cenas das crianças que se misturam à natureza, das mulheres trabalhando o artesanato nos capinzais, da arte marcada no rosto. Da busca pela proteção das aves, do velho índio em confronto para guardar seu povo e das conversas que revelam não só histórias mitológicas, mas também uma vida de luta pela sobrevivência. Todas enriquecem a obra e nos dão a sensação de estarmos ali, aldeados junto a eles.

As sombras do passado ainda assombram os Krahô. Enquanto uma mulher está prestes a dar à luz, seu marido vigia a porteira do território para impedir a expropriação dos bens naturais de seu povo. 

Simultaneamente, uma jovem envolvida em movimentos sociais se prepara para viajar a Brasília, onde participará da Mobilização Nacional dos Povos Indígenas ao lado da líder Sônia Guajajara, hoje Ministra dos Povos Indígenas.

"A Flor do Buriti" atravessa os últimos 80 anos dos Krahô, trazendo para a tela memorias e relatos de um massacre ocorrido em 1940, onde morreram dezenas de pessoas. Perpetrado por dois fazendeiros da região, as violências praticadas naquele momento continuam a despertare o espírito  guerreiro desse povo.

"A Flor do Buriti" é um retrato sincero da resiliência e da espiritualidade dos Krahô, celebrando a sua cultura e resistência diante das adversidades. É uma história que ressoa com força e urgência, convidando o espectador a uma profunda reflexão sobre a importância da preservação da cultura dos povos originários.

Premiações

Exibido em mais de 100 festivais ao redor do mundo, o filme recebeu o prêmio coletivo para melhor elenco na mostra Un Certain Regard, do Festival de Cannes. Também foi vencedor em 14 outros importantes festivais, como o de Munique (Cinevision Award), Lima (Prêmio Signis), Mar del Plata (Prêmio Apima Melhor filme Latino-Americano), Festival dei Popoli (Melhor Filme), Huelva (Prêmio Especial do Júri e Prêmio Melhor Filme Casa Iberoamérica), RIDM Montreal (Prêmio Especial do Júri), Biarritz, Viennale, e Forumdoc.BH.

Ficha técnica
Direção: João Salaviza e Renée Nader Messora
Roteiro: João Salaviza, Renée Nader Messora, Ilda Patpro Krahô, Francisco Hyjnõ Krahô, Henrique Ihjãc Krahô
Produção: Entre Filmes
Distribuição: Embaúba Filmes
Exibição: Centro Cultural Unimed BH - Minas
Duração: 2h04
Classificação: 14 anos
Países: Brasil e Portugal
Gêneros: documentário, drama

“A Filha do Palhaço” - longa explora a afetividade parental entre artistas itinerantes e seus filhos

O drama explora a troca afetiva em que, tanto Joana quanto Renato precisam superar seus preconceitos e traumas do passado para se curarem (Fotos: Embaúba Filmes)

Silvana Monteiro

Filiação e paternidade, convivência familiar, relação entre gerações distintas, conflitos familiares, teatro, arte e transformações artística e humanossocial são temas retratados nesta obra de 2022, que estreia nesta quinta-feira (30), mas que já pode ser conferida na pré-estreia de hoje no Centro Cultural Unimed-BH Minas.

Com produção da Marrevolto Filmes, em associação com a Pique-Bandeira Filmes, e distribuição pela Embaúba Filmes, "A Filha do Palhaço" conquistou o prêmio principal na Mostra de Cinema de Gostoso, além de receber o prêmio do público na Mostra de Tiradentes. 

A narrativa vai muito além do contexto superficial sobre a distância entre um pai comediante e sua filha adolescente. Ao invés disso, o diretor Pedro Diógenes nos apresenta uma história profundamente conflituosa e emotiva, mergulhando nas camadas complexas da afetividade parental e da identidade artística.

O ponto de partida é a relação tensa entre Joana e seu pai, Renato, que só aparece em datas comemorativas.  Essa ausência constante cria uma ferida emocional em Joana, que luta para entender o pai e sua dedicação à carreira como Silvenelly, um personagem cômico inspirado em um ícone da cultura local. 

Conforme o filme avança, vemos os conflitos se transformarem em afeto entre pai e filha. Joana inicialmente encara o trabalho do pai como uma fuga, uma máscara que o impede de se conectar com ela de verdade. Mas à medida que ela acompanha os shows de Silvenelly, seu olhar se desnuda. Ela percebe que aquele trabalho é uma forma de expressão artística e pessoal para Renato, ainda que envolva sacrifícios e até mesmo violência verbal.

O núcleo dramático do filme reside na troca afetiva, em que tanto Joana quanto Renato precisam superar seus preconceitos e traumas do passado para finalmente se curarem. Enquanto Joana aprende a valorizar o ofício do pai, Renato faz descobertas incríveis sobre suas identidades artística e pessoal, ressignificando sua autopercepção.

Essa afetividade conflituosa é magistralmente retratada por Demick Lopes (Silvenelly, personagem inspirada em Raimundinha de Paulo Diógenes) e Lis Sutter (Joana). Lopes transita com maestria entre os dois lados de Renato - o homem deprimido e inseguro, e o artista confiante e cômico. 

Já Sutter entrega uma estreia avassaladora como Joana, capaz de transmitir toda a dor e a esperança da personagem. Além deles, estão no elenco grandes artistas como Jesuíta Barbosa, Jupyra Carvalho, Ana Luiza Rios, Valéria Vitoriano e outros talentos.

Também a produção de "A Filha do Palhaço" é igualmente impressionante. A recriação dos shows de Silvenelly, com seus figurinos, maquiagens e sotaques característicos, nos transporta diretamente para o universo daquele artista. E a evolução visual de Joana, de uma adolescente ressentida a uma jovem mais madura, espelha perfeitamente seu crescimento emocional.

O detalhe importante de Silvenelly é ser um personagem similar a Raimundinha, famoso ícone do humor cearense criado por Paulo Diógenes, primo de Pedro, falecido em 14 de fevereiro de 2024. Por isso, a distribuição da obra aos cinemas, também se apresenta como uma homenagem póstuma ao artista.

Com um estilo que mescla circo e stand-up, Silvenelly faz piadas sobre o cotidiano local, arrancando risadas e muitas vezes enfrentando a violência da homofobia. "A Filha do Palhaço" aborda seus temas de forma sensível e corajosa, em uma construção, ora tensa, ora cômica, capaz de provocar momentos de reflexão, mas também de tirar gargalhadas de quem o assiste. 

O longa transcende o simples retrato de uma relação pai-filha. Pedro Diógenes nos convida a mergulhar em uma teia de emoções e conflitos, onde a aceitação, a identidade e a importância da conexão afetiva se entrelaçam de forma profunda e emocionante. Um filme obrigatório para quem busca cinema de qualidade e narrativas complexas.

Ficha técnica:

Direção: Pedro Diogenes
Produção: Marrevolto Filmes, em associação com a Pique-Bandeira Filmes
Distribuição: Embaúba Filmes
Exibição: Centro Cultural Unimed-BH Minas - sala 1 (sessão às 18h10) e sala 2 (sessão 18h20)
Duração: 1h44
Classificação: 16 anos
País: Brasil
Gênero: drama

Documentário "Pele" apresenta um pouco do Brasil por meio da arte urbana

Colagem de trabalhos artísticos traz sentido poético, mas também pode ser cansativa (Fotos: Tempero Filme)

Eduardo Jr.   

Uma sequência de desenhos, grafites e pichações, que combinados a uma trilha sonora vai expondo um pouco da história nacional e dando sentido à arte urbana, que muitas vezes fica no campo da incompreensão para vários de nós. 

Assim é o documentário “Pele”, do diretor Marcos Pimentel, que estreia nos cinemas nesta quinta-feira (26). Distribuído pela Embaúba Filmes, o longa apresenta 75 minutos de uma construção narrativa ousada, que também pode ser cansativa para alguns. 

Tal sensação pode ser explicada pelas escolhas da direção. O documentário, filmado no ano de 2019 em três das maiores capitais brasileiras (Rio de Janeiro, São Paulo e Belo Horizonte), não possui narração. O som, elaborado por Vitor Coroa, foi todo inserido na pós-produção. 

Entre instrumentos e reivindicações, vai acompanhando a sequência de desenhos, frases e performances de ioga e dança. É ele quem abre possibilidades diversas de interpretação (ou não) do que se vê na tela, que é preenchida por uma protagonista chamada arte urbana.  

Os desenhos se tornam cenários pra nossas ações do cotidiano. Olhos pintados observam nossas ações, sorriem de forma enigmática, talvez até nos questionando. Aí está a concretização do que afirma o diretor, ao dizer que “mesmo sem nos darmos conta, a todo o momento nossos corpos estão dialogando com os conteúdos que ‘vestem’ os muros. 

Ali, nesta espécie de pele, os ‘habitantes dos muros’ interagem com os ‘habitantes das cidades’, produzindo leituras bastante interessantes que, infelizmente, nem sempre temos tempo de contemplar”.   

Em “Pele”, a protagonista arte urbana troca de roupa diversas vezes. Hora é colorida, hora preto e branco. É lúdica e também militante. De tinta ou de papel e cola. Se despe das molduras dos museus para mostrar que tudo é tela, seja o concreto ou uma lixeira. Sua mensagem é culta e também popular. 

Colagens e alusões a músicas produzem novas mensagens por sobre a poesia de Caetano Veloso. E ainda assim, pode ter interpretações diversas. 

Para um paulista pode ser apenas mais uma representação da natureza ao ver uma raposa querendo se alimentar no galinheiro, enquanto para um mineiro o desenho passa para o contexto esportivo da rivalidade entre Atlético e Cruzeiro. 

Assim como os desenhos e frases nas paredes, o documentário transita entre o divertido e o incômodo. No grafite, rostos pintados nos muros observam quem passa. 

Mas quem está de passagem, será que, de fato, ENXERGA os rostos nas calçadas, sem comida e sem teto? Opostos. Contradições. Se uns preferem uma cidade limpa, outros fazem da arte urbana cenários instagramáveis pra colorir suas vidas nas redes sociais. 

Na tela, o espectador em dado momento pode se cansar de ver mais do mesmo - ainda que as manifestações artísticas sejam diferentes e até proponham a brincadeira de identificar em que lugar da sua cidade está aquela obra. 

Premiações

Se a obra vale o ingresso, só assistindo pra tirar suas conclusões. A favor dos realizadores estão as conquistas de "Pele", que fez sua estreia mundial no IDFA/Envision Competition, no qual foi premiado com a Menção Especial do Júri. Aqui no Brasil foi exibido na Mostra Competitiva do É Tudo Verdade. 

Já foi exibido na Rússia, onde recebeu o Grande Prêmio da Crítica no Festival Message to Man, em São Petersburgo. Teve, ainda, exibições na França, Canadá, Itália, China, Nova Zelândia, Rússia, Indonésia, Áustria, Alemanha e Colômbia.  

Ficha técnica:

Direção: Marcos Pimentel

Roteiro: Marcos Pimentel e Ivan Morales Jr.

Produção: Tempero Filmes

Distribuição: Embaúba Filmes

Exibição: nos cinemas

Duração: 1h15

Classificação: 12 anos

País: Brasil

Gênero: documentário

"Bem-Vindos de Novo" é uma história sobre relações humanas, imigração e distanciamento

Filme mostra a trajetória da família do diretor, cujos pais deixaram o Brasil e os filhos e voltaram ao Japão para tentar trabalho
(Fotos: Embaúba Filmes)

Maristela Bretas

Poderia ser somente um filme sobre a imigração de descendentes japoneses estabelecidos no Brasil que resolveram regressar ao Japão em busca de trabalho. Mas "Bem-Vindos de Novo", que estreia nesta quinta-feira (15) nos cinemas, é mais que isso. 

Tem especialmente a parte pessoal, uma vez que o diretor Marcos Yoshi conta a história de sua própria família, que precisou deixar o Brasil, afetada pelas mudanças econômicas no pais desde o final da década de 1990 até 2013.

O documentário, que começou como um trabalho acadêmico do diretor, teve a première mundial no Tokyo Documentary Film Festival, no Japão, e sua primeira exibição no Brasil na Mostra Aurora, em Tiradentes. 

De uma família bem estruturada, com carro novo, Marcos Yoshi viu seus pais Yayoko e Roberto Yoshisaki perderem tudo e precisarem retornar ao Japão como imigrantes em busca de emprego para o sustento de todos. 

Yoshi e suas duas irmãs, Cinthya Thayse e Nathalia Cristine, foram morar com os avós. O que era para durar dois anos fora do Brasil se transformou em 13, de muito trabalho, distanciamento e perda das referências e relações afetivas. 

Os irmãos permaneceram juntos e seguiram suas vidas no Brasil. Os pais no Japão se transformaram em personagens de conversas por videoconferência. 

A relação se desgastou, os laços de afeto diminuíram e a avó materna, com quem os filhos passaram boa parte de suas vidas, se tornou o elo entre eles.

Após 13 anos, Yayoko e Roberto Yoshisaki retornam ao Brasil e tentam retomar a antiga relação de família. Mas filhos e pais já não se conhecem mais. 

Mesclando imagens de hoje com arquivos de fotos e vídeos em VHS do acervo doméstico e de amigos, o longa vai tratando das mudanças que Marcos Yoshi, seus pais e irmãs viveram nestes anos de afastamento. 

Na narrativa, cada um dos três irmãos dá seu depoimento sobre o que essa distância representou em suas vidas. O mesmo acontece com Yayoko e Roberto. Marcos deixa claro que o filme é uma tentativa de reaproximação e de conhecer novamente seus pais.

O diretor aproveita o drama de sua família, dividida pela necessidade financeira para contar o dilema da maioria dos decasséguis - imigrantes nipo-brasileiros que retornam desde 1991 ao Japão com o sonho de conseguir trabalho e uma vida melhor. Usa fotos em preto e branco e coloridas, que mostram o trabalho deles no Japão.

Mas os depoimentos dos pais mostram uma realidade bem mais dura. Só se vive para trabalhar - 12 horas por dia, seis dias da semana -, sem diversão, em condições de habitação ruins e o pior, longe dos filhos. 

O sonho dos pais de fazerem atividades que lhes dariam prazer foi abandonado, especialmente pelas sequelas deixadas no corpo de ambos.

"Bem-Vindos de Novo" foi filmado durante dois anos, com o consentimento, a participação e o apoio da família. Uma espécie de reality show dos Yoshisaki, expondo momentos alegres, mas também dores e traumas do passado. 

Essa intimidade com o sofrimento deles me incomodou um pouco, apesar de o objetivo da produção ser válido. Marcos Yoshi entrega um trabalho sério e muito bem feito, que conta ainda com a ótima trilha sonora, composta por Júlia Teles, que completa a proposta do documentário.

Ficha técnica:
Direção: Marcos Yoshi
Produção: Meus Russos
Distribuição: Taturana Mobilização Social
Exibição: nos cinemas
Duração: 1h45
Classificação: 12 anos
País: Brasil
Gênero: documentário

“Marte Um”: de Contagem para o mundo, com esperança e afeto

É no personagem Deivinho e seu sonho de ser astrofísico que a história marca seu diferencial (Fotos: Embaúba Filmes)

Mirtes Helena Scalioni

O filme é meio triste, mas terno. Talvez se possa resumir assim o longa “Marte Um”, mais um trabalho produzido pela Filmes de Plástico, da turma de Contagem, desta vez dirigido por Gabriel Martins (“No Coração do Mundo” - 2019). 

Incensado pela crítica e aprovado pelo público, o filme foi pré-selecionado para representar o Brasil no Oscar 2023 depois de abocanhar prêmios em Gramado. 

Sem suspenses nem sustos, sem sequências de ação ou cenas de grandes reviravoltas dramáticas, a vida de uma família de negros da periferia da Região Metropolitana de BH é contada como se deve: naturalmente, sem enfatizar alegrias nem dores. Sem carregar nas tintas.

A família comandada por Wellington (Carlos Francisco, “Arábia” - 2017 e “Bacurau” - 2019) e Tércia (Rejane Faria, “No Coração do Mundo”) é como tantas outras na sua estrutura e cotidiano. Ele é porteiro e zelador de um condomínio de classe média alta, e ela é faxineira diarista. 

Ambos parecem cientes dos seus deveres e em paz com as limitações impostas pela dureza da vida. Os filhos - a jovem universitária de Direito Eunice (Camila Damião) e o menino Deivinho (Cícero Lucas) - vivem suas rotinas de escola, futebol, baladas, cervejas, estudos, paqueras, redes sociais e, claro, sonhos - de um jeito que parece equilibrado.

É no personagem Deivinho que a história marca seu diferencial. Como pode um menino negro e pobre querer ser astrofísico em vez de jogador de futebol como deseja com empenho seu pai? 

Que direito tem esse pirralho de querer chegar tão alto, sonhando, inclusive, fazer parte da comitiva que, no ano 2030, vai sair da Terra embarcada num foguete rumo à colonização do planeta vermelho? Pois esse menino míope e franzino quer nada mais, nada menos, do que fazer parte da missão Marte Um.

A grande magia do trabalho de Gabriel Martins, que também cuidou do roteiro, é que tudo, desde os pequenos conflitos, dúvidas, doenças, vícios, diferenças e celebrações, absolutamente tudo é administrado com amor e união. 

Reside aí o encantamento de “Marte Um”, que não se parece em nada com outras tantas produções que têm favelas e periferias como cenário. Trata-se de um filme sincero e honesto.

É tudo tão natural que há momentos em que o espectador pode ter a sensação de estar vendo um documentário. As interpretações, todas irrepreensíveis, fortalecem essa ideia. Nada se fala de política, mas a TV, ligada em alguns momentos, deixa escapar que estamos vivendo no início da era Bolsonaro. 

Ninguém discute nem faz discursos, nem mesmo quando Eunice revela sua vontade de sair de casa para viver a própria vida, ou quando Tércia, traumatizada depois de ter sido vítima de uma brincadeira de mau gosto, decide fazer uma viagem para simplesmente descansar.

Os cenários, figurinos e trilha sonora garantem a veracidade das cenas, tanto na casa da família, que não deixa de festejar aniversários, apesar do arrocho financeiro, quanto nas baladas frequentadas por Eunice ou nas reuniões de Alcoólicos Anônimos, onde Wellington aparece periodicamente. 

Ao mesmo tempo, nada peca pelo exagero, não há clichês ou estereótipos. Tudo está na medida da verossimilhança.

Em tempos de polarização, radicalismos e violências, “Marte Um” fisga o público, mas cai leve no coração do espectador, como se quisesse mostrar que pode haver outro caminho e que há sim, espaço para a fé no outro. Como já disse o conhecido poeta e cordelista Bráulio Bessa, “enquanto houver um abraço, há de haver esperança”.

Ficha Técnica

Direção e roteiro: Gabriel Martins
Produção: Filmes de Plástico / coprodução Canal Brasil
Distribuição: Embaúba Filmes
Exibição: nas salas Cineart Ponteio (sessões 18h30 e 21 horas), Cinemark Pátio Savassi (sessão 15h30) e UNA Cine Belas Artes (sessões 14h, 16h20, 18h20 e 20h30)
Duração: 1h54
Classificação: 16 anos
País: Brasil
Gênero: drama

"Marte Um" entra na disputa para representar o Brasil no Oscar 2023

Produção mineira é dirigida por Gabriel Martins e trata de sonhos e realidades (Fotos: Embaúba Filmes)

Da Redação

Na próxima segunda-feira (5) será selecionada uma das seis produções nacionais escolhidas para disputar a vaga de representante do Brasil no Oscar 2023 como Melhor Filme de Língua Estrangeira. "Marte Um", do cineasta, roteirista, montador e diretor de fotografia Gabriel Martins está nessa disputa. 

O anúncio foi feito pela Academia Brasileira de Cinema e Artes Audiovisuais. Os demais concorrentes são "Carvão", "Pacificado", "Paloma" , "A Viagem de Pedro" e "A Mãe". Os seis foram pré-selecionados de uma lista de 28 filmes inscritos no processo.

Cineasta Gabriel Martins

"Marte Um" teve sua estreia mundial no Festival de Sundance, em janeiro deste ano, e sua primeira sessão no Brasil aconteceu no dia 17/08, na Mostra Competitiva do Festival de Gramado, onde foi bem recebido pelo público. 

Ainda foi exibido em 35 festivais internacionais, ganhando prêmios de melhor longa no OutFest, no Black Star e no San Francisco Film Festival. "Marte Um" tem produção assinada pela Filmes de Plástico e coprodução do Canal Brasil, com distribuição da Embaúba Filmes. 

Este é o segundo longa do diretor (o primeiro solo, sem a parceria de Maurílio Martins, com quem fez o belo “No Coração do Mundo” - 2019), e tem, como um de seus temas centrais, a realização de um sonho infantil. O filme traz o cotidiano de uma família da periferia de um grande centro urbano nos últimos meses de 2018, pouco depois das eleições presidenciais. 

O garoto Deivid (Cícero Lucas), caçula da família Martins, sonha em ser astrofísico e participar de uma missão que em 2030 irá colonizar Marte. Ele sabe que, por suas condições, não há muitas chances para isso acontecer, mas mesmo assim, não desiste. Passa horas assistindo vídeos e palestras sobre astronomia na internet.

O pai, Wellington (Carlos Francisco, de “Bacurau” - 2019, e da Companhia do Latão de teatro), é porteiro em um prédio de elite, e há um bom tempo está sem beber, uma informação que compartilha com orgulho em sessões do AA. Ele quer ver o filho virar jogador de futebol profissional. 

Tércia (Rejane Faria, da série “Segunda Chamada”) é a mãe que, depois de um incidente envolvendo uma pegadinha de televisão, acredita que está sofrendo de uma maldição. Por fim, a filha mais velha é Eunice (Camilla Damião), que pretende se mudar para um apartamento com sua namorada (Ana Hilário), mas não tem coragem de contar aos pais.

O diretor conta que o filme foi desenvolvido entre 2015 e 2018. "Foi um período de muitas mudanças abruptas nos campos social e político do país. Vários movimentos nos fizeram confrontar com o que pensávamos sobre raça, gênero, economia e muitos aspectos da sociedade". 

"Produzimos o filme graças a um fundo para diretores negros, e isso sempre me trouxe um senso de responsabilidade muito grande, com honestidade e compreensão de que esse filme pode ser uma forte representação de uma cultura da qual faço parte”, explica Gabriel Martins.

De acordo com o produtor do filme, Thiago Macêdo Correia, da Filmes de Plástico, ele foi procurado por Gabriel o procurou com a ideia para "Marte Um" quando o país ainda estava sob o comando de Dilma Rousseff, um período de prosperidade, e incentivo e investimentos na cultura. 

“O filme foi produzido graças a um fundo público de 2016 voltado para diretores negros e narrativas de temática negra com o intuito de levar às telas cineastas de grupos minoritários. Obviamente, esse fundo não existe mais. Rodamos o longa em outubro de 2018, durante as eleições, o que acabou influenciando também a narrativa. Não tínhamos ideia do que viria depois.”

“Embora se passe num contexto político turbulento – sendo a eleição de Bolsonaro um ponto baixo para nós –, esse não é um filme que tenta chegar a um veredito sobre o estado político do país. Por outro lado, é inevitável que o público o intérprete como um chamado para não nos deixarmos abater pelas agitações sociais que estamos enfrentando.”

"Marte Um" é assinado pela produtora mineira Filmes de Plástico, fundada por Gabriel, Thiago, André Novais Oliveira e Maurilio Martins, em 2009, e que tem em sua filmografia longas premiados como “Temporada”, “Ela Volta na Quinta”, “No Coração do Mundo” e “Contagem”. Suas produções também foram destaque em festivais como Cannes, Roterdã, Brasília e Tiradentes.

Ficha Técnica

Direção e roteiro: Gabriel Martins
Produção: Filmes de Plástico / coprodução Canal Brasil
Distribuição: Embaúba Filmes
Exibição: nas salas Cineart Shopping Contagem (sessão 19h35) e UNA Cine Belas Artes (sessões 14h, 16h20, 18h20 e 20h30)
Duração: 1h54
Classificação: 16 anos
País: Brasil
Gênero: drama

UNA Cine Belas Artes completa 30 anos como referência em filmes de arte

Espaço é um reduto de produções independentes de diferentes países e de pré-estreias de títulos nacionais (Fotos: Divulgação)

Da Redação

O cinema de rua resiste em Belo Horizonte. Prova disso é que o UNA Cine Belas Artes completa 30 anos na terça-feira (30 de agosto) e continua sendo um importante espaço cultural multiuso que remodelou a experiência cinematográfica do público da capital mineira.

Desde a sua inauguração, o local se transformou em um reduto de filmes independentes, de arte, de diferentes países, além de pré-estreias de títulos nacionais. Grande parte dos filmes exibidos ali, apesar de sua imensa relevância cultural, não encontra outro espaço em Belo Horizonte.

O complexo, que abriga três salas de exibição, café e livraria, retomou suas atividades em agosto de 2021 após passar por atualização técnica, reparos e reformas que facilitam a higienização do local, além de adequação do espaço aos protocolos de segurança das autoridades sanitárias. 

Essas melhorias só foram possíveis com a forte adesão da população à campanha de crowdfunding SOS Belas BH, realizada de setembro a novembro de 2020, que contou com o financiamento coletivo de 2.547 benfeitores, além da parceria com a Una Liberdade, instituição que integra o Ecossistema Ânima, localizada em frente ao cinema.

Vale destacar que o Belas Artes e a Una Liberdade são vizinhos próximos, ambos no bairro de Lourdes, região Centro-Sul da capital. É precisamente nessa unidade que a Una oferece o seu tradicional curso de cinema. A parceria é, portanto, precedida por uma tradicional afinidade cultural e geográfica. 

A aproximação com o Centro Universitário se dá de forma natural e muito feliz, já que a Una se propõe a fazer parte da vida da comunidade, ter as suas unidades abertas e integradas aos aparelhos culturais do Circuito Liberdade.

30 anos de arte e cultura

O UNA Cine Belas Artes privilegia o cinema brasileiro e o cinema independente, por isso é o único espaço de Belo Horizonte com uma programação diferenciada que dá valor à diversidade. São três salas oferecendo 336 lugares num total. 

"Marte Um", longa do mineiro Gabriel Martins

Na programação, "Marte Um", longa do mineiro Gabriel Martins, que foi premiado com quatro Kikitos no festival de cinema de Gramado como Melhor Filme pelo Júri Popular, Melhor Roteiro, Melhor Trilha Musical e Prêmio Especial do Júri.

Dia 30 de agosto tem a pré-estreia, às 20h30, de “Maria, Ninguém Sabe Quem Sou Eu”, um documentário sobre Maria Bethânia. O filme tem imagens raras de ensaios e shows da cantora ao longo de seus 57 anos de carreira, além de um depoimento inédito de Bethânia, com roteiro e direção de Carlos Jardim. No site www.belasartescine.com.br é possível acompanhar a programação completa e adquirir ingressos.

Serviços:

UNA Cine Belas Artes
Endereço: Rua Gonçalves Dias, 1581 – Bairro Lourdes
Telefone: (31) 3324-7232
Informações e programação: www.belasartescine.com.br

Sem tramas nem suspense, “A Felicidade das Coisas” trata com carinhosa tolerância um dos sonhos de consumo da classe média

Primeiro longa de Thais Fujinaga aborda maternidade e a posição da mulher numa cultural patriarcal (Fotos: Embaúba Filmes/Divulgação)

Mirtes Helena Scalioni

Talvez a melhor definição para “A Felicidade das Coisas” seja: trata-se de um típico filme autoral, sem que isso indique, a princípio, que seja bom ou ruim. Significa apenas que a diretora Thaís Fujinaga, que faz sua estreia em longas depois de alguns curtas, decidiu contar uma história de um jeito peculiar – do seu jeito. 

Junte-se a isso a participação de atores e atrizes desconhecidos do grande público, o que pode tornar a produção, embora lenta e sem ganchos e tramas, um trabalho no mínimo diferente e interessante.

Ao contar a história de Paula (Patrícia Saravy), que, aos 40 anos e grávida de um terceiro filho, está passando uma temporada na modesta casa de praia que acabou de comprar em Caraguatatuba, litoral norte de São Paulo, a diretora parece querer nos mostrar um cotidiano corriqueiro e natural. É como se alguém tivesse decidido filmar uma parte das férias de uma família comum. 

“A Felicidade das Coisas” é um recorte do que ocorreu naqueles dias e há momentos em que o espectador pode se aborrecer porque nada acontece. Pelo menos nada de extraordinário.

Como toda família provinciana, Paula e seus dois filhos pré-adolescentes (as crianças Messias Gois e Lavínia Castelari) sonham com uma piscina que desejam instalar a todo custo na casa de praia. E é esse o objetivo daquele grupo familiar naquela temporada. 

Embora a casa careça de reformas mais urgentes, o filme já começa com pedreiros cavando o buraco onde a tão sonhada piscina deve ser colocada. A lentidão dos trabalhadores é apenas o começo dos problemas, já que o dinheiro anda cada vez mais curto. Quem nunca viu isso antes?

Além de “filme de autor”, “A Felicidade das Coisas” é também um “filme de atrizes”, porque é centrado principalmente na atuação de duas delas. Patrícia Saravy, que faz a mãe das crianças, é uma mulher triste, abnegada, às vezes revoltada com um marido ausente, mas sempre capaz de renovar as esperanças. Quem não conhece uma mãe assim? 

Completa a dupla a excelente Magali Biff, que interpreta a mãe de Paula e avó das crianças, sempre pronta a colocar panos quentes, proteger os netos, alimentar os sonhos, cuidar para que tudo dê certo. Os diálogos entre as duas enquanto cuidam da casa, cozinham, lavam pratos, falam das dificuldades e relembram do passado, se parecem com muitas conversas entre mãe e filha adulta num almoço de domingo.

Antes deste longa, a paulista Thaís Fujinaga, que também fez o roteiro, dirigiu “Os Irmãos Mai”, “Hoje é Seu Dia” e “A Visita”. Ganhou prêmios e, claro, alguma experiência. Um olhar mais atento vai perceber um certo traço de curta-metragem em “A Felicidade das Coisas”, principalmente pela forma quase doméstica das atuações, embora corretas e adequadas, inclusive das crianças. É o naturalismo levado às últimas consequências.

Sem tramas, conchavos, tensões, dramas ou suspense, a produção pode agradar aos que apreciam histórias em que nada de extraordinário acontece. Claro que sempre há espaço para metáforas e simbolismos no empenho e teimosia daquela família em torno de uma piscina. Mas talvez o grande mérito de “A Felicidade das Coisas” seja levar o espectador a se reconhecer na tela.

Ficha técnica:

Direção e roteiro: Thais Fujinaga
Produção: Filmes de Plástico / Lira Comunicação
Distribuição: Embaúba FIlmes
Exibição: Una Cine Belas Artes
Classificação: 14 anos
Duração: 1h27
País: Brasil
Gêneros: drama / comédia