A história se passa quase toda numa boate nada convencional, onde uma família nada convencional se apresenta (Fotos: Vitrine Filmes/Divulgação)
Mirtes Helena Scalioni
Mais do que revolucionário, "Paraíso Perdido" é um filme libertário, atrevido e contemporâneo, verdadeiro discurso contra o preconceito. "Qualquer maneira de amor vale a pena" - é o que inspira o longa. E é esse sentimento que também parece mover os personagens. A história se passa quase toda numa boate nada convencional, onde uma família nada convencional se apresenta em performances que arrebatam e emocionam o pequeno público presente. Tudo é único, peculiar, inesperado.
Pode até ser que a trama criada pela diretora Monique Gardenberg se torne confusa em determinado ponto da história, mas isso não atrapalha nem tira o brilho do filme. Pelo contrário. Certa estranheza e uma pequena dose de esquisitice acabam por conferir charme e poder ao filme. E o elenco parece ter sido escolhido a dedo. A começar pelo patriarca do núcleo, José, interpretado por um Erasmo Carlos extremamente à vontade, passando pelo novato Jaloo, que faz o travesti Ímã, uma descoberta da diretora. Completam a família Júlio Andrade, encantando como o cantor Ângelo; Hermila Guedes como a ex-presidiária Eva; Júlia Konrad como a grávida Celeste, e Seu Jorge como o filho adotivo Taylor, que sonha ser ator.
Correndo por fora, compartilhando dores e delícias com o grupo, estão Marjorie Estiano como a misteriosa Milene, Humberto Carrão como o sensível e atormentado Pedro; Felipe Abin como Joca, o namorado de Celeste; Malu Galli como a cantora surda Nádia e Lee Taylor, numa atuação comovente como o policial Odair, personagem central da trama. Tudo se encaixa de uma forma tão natural, que a credibilidade e empatia com o espectador são imediatas. Tudo se encaixa.
Um detalhe do longa que merece destaque: a música. "Paraíso Perdido" é todo embalado e costurado por canções populares que algum desavisado pode chamar de bregas. Pode, mas não deve. O diretor musical do filme é Zeca Baleiro e isso faz toda a diferença. Que ninguém espere cantorias manjadas do tipo "Eu não sou cachorro não", "Sandra Rosa Madalena" e "Receba as flores que te dou". Baleiro não se rendeu ao óbvio.
Os cantores e cantoras da boate dilaceram o peito do espectador apresentando pérolas românticas como "Sonhar contigo", de Adilson Ramos ("este é o meu maior desejo/ tomar tuas mãos, calar tua voz num longo beijo"), "Impossível acreditar que perdi você", de Márcio Greick ("não, eu não consigo acreditar no que aconteceu"), "Tortura de amor", de Waldick Soriano ("hoje que a noite está calma/e minh'alma esperava por ti") e "As minhas coisas", de Odair José ("o meu casaco com você se acostumou/ sentiu tanto a sua falta/ que de tristeza desbotou").
Não há sombra de crítica, riso ou deboche. Pelo contrário, há reverência, respeito ao sentimento. O ambiente é simples, a luz é baixa, o drinque barato está à mão e o clima é de pecado. De cortar os pulsos. "Paraíso Perdido" pode e deve ser conferido no Belas Artes 3 (sessões de 14h e 21h) , Cinemark BH Shopping 10 (16h20 e 21h30) e Net Cineart Ponteio 2 (18h40 e 20h50). Duração: 1h50 Classificação: 14 anos
Filme conta como surgiu o personagem e sua amizade com o wookie Chewbacca (Fotos: LucasFilm/Divulgação)
Maristela Bretas
"Han Solo - Uma História Star Wars" ("Solo: A Star Wars Story") é uma grande homenagem a um dos principais heróis da franquia, que merecia ter sua história contada, como aconteceu com Luke Skywalker e a Princesa Leia. E o diretor Ron Howard (que tem grandes sucessos em seu currículo, como "No Coração do Mar"- 2015) entrega uma nova e boa aventura aos fãs. Muita ação, romance, mocinhos e vilões e grandes batalhas no espaço e em terra, recheadas de muita computação gráfica e efeitos visuais, que marcaram os filmes da saga há 41 anos, a serem completados em novembro.
Não chega a ser excelente como "Rogue One" (2016), a primeira história paralela, que uniu como uma peça de quebra-cabeça, os episódios "Star Wars - Uma Nova Esperança" (1977) e "O Império Contra-Ataca" (1980). Mas "Han Solo" tem um enredo digno do personagem, eternizado pelo ator Harrison Ford e estava merecendo um filme sobre ele após participar de quatro episódios marcantes e concluir sua trajetória em "Star Wars: O Despertar da Força" (2015). O filme é quase didático e também corre por fora para explicar como Han Solo conheceu seu primeiro grande amor (antes de Leia) e o copiloto Chewbacca, como conquistou a famosa nave Millennium Falcon, como surgiu seu nome e como fez vários inimigos e amigos em suas aventuras. As cenas que explicam estes pontos da vida de Han Solo são as mais interessantes e chegam a dar arrepios.
A boa trilha sonora, incluindo a música-tema que acompanha o personagem há mais de quatro décadas completa a produção. Apesar dos muitos recursos técnicos, as cópias que assisti em 3D estavam muito escuras, dificultando a visualização de detalhes em algumas cenas. O mesmo aconteceu com as fotos de divulgação.
A história de "Han Solo" se encaixa antes de "Star Wars - Uma Nova Esperança", o primeiro episódio da saga (na verdade o quarto), que apresentou os personagens Luke Skywalker /Mark Hamill, Princesa Leia /Carrie Fischer, Chewbacca/Peter Mayhew e o próprio Solo/Harrison Ford.
Harrison Ford como Han Solo
O famoso contrabandista sempre foi o fanfarrão do trio durante sua participação na saga, cheio de truques e dando show em pilotagem de sua nave. Para fazer o personagem mais jovem, aventureiro e rebelde, foi escolhido o ator Alden Ehrenreich (de "Ave César!" - 2016), pouco conhecido, mas que conseguiu desempenhar direitinho o papel, a ponto de ser elogiado por Ford após a estreia do filme nos EUA. Mas está a uma galáxia, muito, muito distante do original.
Intempestivo, romântico, aventureiro, leal com os amigos e trapaceiro com os inimigos, o Han Solo jovem está conseguindo conquistar os fãs. Mas ganhou um forte concorrente, que até então ficava em segundo plano nos episódios dos quais participou. Donald Glover rouba as cenas como o capitão Lando Calrissian (interpretado anteriormente por Billy Dee Williams). Ele é carismático, sedutor, trapaceiro, engraçado e tira o brilho de Ehrenreich quando estão juntos. E se a história é sobre Han Solo, não poderia faltar seu mais fiel amigo wookiee, Chewbacca, o "Chewie", desta vez interpretado pelo ator finlandês e ex-jogador de basquete, com 2,11m de altura, Joonas Suotamo (participou também de "Star Wars: O Despertar da Força" e "Os Últimos Jedi" - 2017).
O elenco ainda conta com Emilia Clarke ("Como Eu Era Antes de Você" - 2016 e a série de TV "Game of Thrones"), como Qi'ra, a namorada de Solo que vai mudar o futuro dele. Paul Bettany, assim como Josh Brolin (que pulou do vilão Thanos, de "Vingadores: Guerra Infinita" - 2018, para o X-Men Cable, de "Deadpool 2" - 2018) sai do super-herói Visão, de "Capitão América: Guerra Civil"e "Vingadores: Guerra Infinita" e para virar o contrabandista de armas Dryden Vos. Destaque também para Woody Harrelson, como o também contrabandista Tobias Beckett (difícil foi saber quem andava na linha nesta época), parceiro de golpes de Han Solo.
Na história, Han Solo e a namorada Qi'ra querem fugir da escravidão de seu planeta e tentam usar uma substância valiosa para comprarem a liberdade. O plano não dá certo e os dois acabam separados. Anos depois, Solo ainda tenta conseguir uma nave para retornar a seu planeta e resgatar Qi'ra. Em sua jornada, vai conhecendo outros contrabandistas, o amigo Chewie e pessoas que vão transformá-lo no carismático mocinho. Muito bom, mais uma história Star Wars que vale assistir e está agradando até mesmo alguns fãs mais exigentes. Agora é aguardar ansiosamente o episódio IX, último da terceira trilogia, previsto para 2019 com direção de J.J. Abrams.
Ficha técnica: Direção: Ron Howard Produção: Lucas Film / Walt Disney Companhy / Imagine Entertainment Distribuição: Disney/Buena Vista Duração: 2h15 Gêneros: Aventura / Fantasia / Ficção científica País: EUA Classificação: 12 anos Nota: 4 (0 a 5)
José de Abreu e Danton Mello são pai e filho que tentam se acertar nesta comédia dramática (Fotos: Imagem Filmes/Divulgação)
Mirtes Helena Scalioni
Filmes sobre velhos estão em alta. Depois da contundência de "Ella e John" e do romantismo de "Acertando o Passo" - só para ficar nos mais recentes - está em cartaz o brasileiro "Antes que eu me esqueça", primeira longa de ficção de Tiago Arakilian, que há mais de 30 anos trabalha com produção de cinema. Desta vez, a história utiliza - e até privilegia - o humor para falar de relações familiares, desencontros e, principalmente, de solidão.
O grande trunfo do filme, o que fisga o espectador do início ao fim, é a atuação brilhante de José de Abreu interpretando um irascível e arrogante juiz aposentado de 80 anos às voltas com os primeiros sintomas de uma demência senil. A expressão corporal e facial do ator impressiona, emociona e surpreende, principalmente quando seu personagem, Polidoro, decide, àquela altura da vida, se tornar sócio de uma boate de strip-tease de Copacabana. Os demais personagens e intérpretes giram em torno dele.
É quando uma das filhas de Polidoro, Bia (Letícia Isnard) tenta interditar o pai na Justiça que o filme parece discutir e abordar o outro tema da história: a relação pai e filho. Como Paulo (Danton Mello) o outro filho do velho, anda afastado, o juiz determina que os dois refaçam os laços antes de conceder a interdição. Pianista frustrado, pessimista e derrotado, o jovem se vê obrigado a encontros periódicos com o pai, sempre sob a supervisão da rígida promotora Maria Pio (Mariana Lima).
Estão ainda no elenco Guta Stresser, exagerando no estereótipo como a garçonete bailarina da boate; Augusto Madeira como o amigo pianista de Paulo; Eucir de Souza como o enfadado genro Alceu, e até um inesperado Dedé Santana, vivendo um dos amigos do juiz.
Como quase toda comédia dramática, "Antes que eu me esqueça" exagera um pouco nos clichês e obviedades. Há também situações que parecem carregar propositalmente no humor, talvez por se tratar da terceira idade e de demência senil - o que se revela um equívoco. Velhos, boate, strip-tease, bailarinas - tudo parece uma associação feita para o riso.
Mas o que fica, ao final, é a sensação de que é preciso sim falar da velhice e de todos os desconfortos, esquisitices e problemas que ela traz, não apenas aos velhos, mas principalmente às suas famílias. Num dos momentos mais desconcertantes do filme, Polidoro decreta: "O pior da velhice é a gente lembrar que está esquecendo". Felizmente, a delicadeza e a emoção vencem. Duração: 1h40 Classificação: 14 anos
Ryan Reynolds reúne um grupo de "heróis" nada a ver e resolve ser o mocinho do seu jeito (Fotos: 20th Century Fox/Divulgação)
Maristela Bretas
Ele se superou, tira sarro até mesmo da produção, alegando ser "um filme de família" . No Brasil, a classificação etária baixou de 18 para 16 anos para atrair um público mais jovem. Mais crítico que nunca - de tudo e de todos -, abusando nos efeitos gráficos e na violência, Ryan Reynolds está de volta (como ator, produtor e ainda ajudou a escrever o roteiro) em "Deadpool 2".
As piadas estão mais escrachadas, mas o anti-herói também adota uma posição (no estilo dele) de defender as mulheres, o público LGBT, deficientes e vítimas de bullying. Para quem temia que a compra da Fox pela Disney pudesse afetar o estilo do polêmico personagem Marvel, isso não aconteceu neste filme. Ninguém escapa da irreverência de Deadpool, que está tão bom e em alguns itens até melhor que o primeiro.
A excelente trilha sonora é um dos pontos fortes, com gêneros musicais que agradam a todos os gostos, muitas vezes "orquestrados" por Deadpool. Tem Dolly Parton ("9 To 5"), Barbra Streisand ("Papa Can You Hear Me"), AC/DC ("Thunderstruck") , A-ha ("Take On Me"), Peter Gabriel ( "In Your Eyes"), Air Supply ("All Out of Love"), Cher ("If I Could Turn Back Time") e, principalmente, Celine Dion, que canta "Ashes", tema maravilhoso de abertura, que parece a de um filme de 007. Clique aqui para conferir.
Para tornar o pacote completo, muitos tiros, explosões, violência que chega a assustar, efeitos visuais e até cenas românticas de Deadpool/Wade Wilson com a companheira Vanessa, interpretada novamente pela bela brasileira Morena Baccarin. Para ficar ainda melhor, o elenco ganha o reforço de Josh Brolin como Cable, um soldado do futuro que vem ao presente para assassinar o jovem mutante Russell. Este é o segundo papel do ator pela Marvel neste ano - o primeiro foi o excelente vilão Thanos, de "Vingadores - Guerra Infinita". Alguns personagens de "Deadpool" (2016) retornam nesta continuação, como o Colossus (Andre Tricoteux/ Stefan Kapicic), Megasonic (Brianna Hildebrand), Blind All (Leslie Uggams), a cega dona da casa onde vivia Wade, o taxista Dopinder (Karan Soni) e Weasel (T.J. Miller). E surgem novos, além de Cable, como Dominó/Neena (Zazie Beetz), a garota que tem a sorte como superpoder, Yokio (Shioli Kutsuna), a nerd que fala pouco mas é muito simpática, e Firefist/Russell (Julian Dennison), o adolescente mutante incendiário.
"Deadpool 2" consegue trazer para o universo Marvel discussões de temas atuais e polêmicos que produções com outros heróis do estúdio deixam passar em branco (exceto "Pantera Negra"). Mas sem usar um discurso careta, cheio de frases feitas. Pelo contrário, ele rasga o verbo, esculacha com sua imagem, com a dos outros, com a censura reduzida, com a cegueira da amiga.
Não escapam das piadas de Deadpool nem alguns personagens da Marvel, como Wolverine (seu ídolo), o Professor Xavier, Hulk, Capitão América e até os da DC, como Batman. O mercenário do collant vermelho e preto usa frases famosas de alguns deles, mas também tem seus momentos de "mocinho" e encara uma briga feia para tentar salvar pessoas que ele mal conhece. E para isso vai reunir um grupo totalmente nada a ver, que inclui Terry Crews (Bedlam), Bill Skarsgärd (Zeitgeist) e Brad Pitt (Vanisher) para formar a X-Force, uma turma de X-Men sem regras, que cruza os braços igualzinho o Pantera Negra - "Wakanda Foverer". Hilário.
O filme já começa com muita ação e explosão, numa situação que vai ser explicada voltando no tempo. Tem morte de heróis, prisão de mutantes, mais explosões, tiros a dar com pau e a entrada em cena do super soldado Cable, que está caçando o jovem mutante Russell. O incendiário pode ser a salvação de Deadpool, que vai precisar aprender o que é ser herói de verdade para salvar o adolescente. Para isso, vai precisar da ajuda de Colossus e dos X-Men (o time barato da Marvel, como zoa Deadpool), além dos fiéis amigos Dopinder e Weasel e de um grupo de novos mutantes para formar a X-Force.
Irreverente, cômico, violento, dramático em alguma situações,"Deadpool 2" mantém o humor negro e estilo besteirol do primeiro, mais violento e menos erótico. Vale a pena conferir o novo ótimo trabalho de Ryan Reynolds que está mais a vontade na pele do irônico super-herói. Pecou um pouco no roteiro de qualidade mediana (até o personagem critica), apresentando apenas os novos mutantes como novidades. Vale ficar atento às cenas pré e pós-créditos, que mudam o final do filme.
Ficha técnica: Direção: David Leitch Produção: Marvel Entertainment / 20th Century Fox Distribuição: Fox Films do Brasil Duração: 2h01 Gêneros: Comédia/ Ação / Aventura País: EUA Classificação: 16 anos Nota: 4,5 (0 a 5)
Produção, com estreia dia 21 de junho, comemora 25 anos e resgata antigos personagens (Fotos: Universal Pictures/Divulgação)
Maristela Bretas
A Universal Pictures acaba de divulgar um vídeo inédito de “Jurassic World: Reino Ameaçado” ("Jurassic World: Fallen Kingdom") totalmente focado na utilização de animatrônicos – recurso que fez da franquia "Jurassic Park" um divisor de águas na história do cinema. A estreia está marcada para 21 de junho, com pré-estreias a partir de 14 de junho nos cinemas.
Criados e supervisionados por Neal Scanlan, também responsável pelos efeitos especiais da franquia "Star Wars", os animatrônicos são parte vital do segundo capítulo de “Jurassic World”. No vídeo, Scanlan comenta sobre a criação do indoraptor e o que o torna tão especial em termos de efeitos: “Podemos ver a decomposição da pele, a descamação ou alguma doença começando a se manifestar. Considerar o indoraptor mais uma experiência genética e a ideia de que não é necessariamente 100% bem-sucedida, é uma possibilidade bem emocionante”, explica.
Scanlan também revela que algumas cenas foram previamente pensadas para efeitos práticos o que fez com que o elenco criasse uma conexão com as criaturas no set: “Os atores não tinham visto a Blue em cena. Então, entraram no caminhão e havia um dinossauro deitado na mesa, respirando, tremendo e ficaram totalmente envolvidos”. A atriz Bryce Dallas Howard também se envolveu, mas com a t-rex: “Eu pude cavalgar. Pode imaginar como meus filhos reagiram quando contei a eles?”, brinca a atriz.
Dirigido por J.A. Bayona, “Jurassic World: Reino Ameaçado” é uma parceria com a Amblin Entertainment, e traz Steven Spielberg como produtor executivo, ao lado de Colin Trevorrow – responsável pela direção de “Jurassic World: O Mundo dos Dinossauros”. Além de Chris Pratt e Bryce Dallas Howard, o filme ainda resgata os personagens de Jeff Goldblum e BD Wong em uma celebração aos 25 anos de uma das franquias mais populares e queridas do cinema.
Bruce Willis repete a famosa cena de Charles Bronson de apontar o dedo como uma arma (Fotos: Paramount Pictures/Divulgação)
Maristela Bretas
"Desejo de Matar" ("Death Wish") ficou um bom remake do famoso sucesso estrelado por Charles Bronson em 1974 e é indicado para quem curte muita ação, violência e o sorriso sedutor e simpático de Bruce Willis. E o ator repete o estilo que marcou sua franquia mais conhecida - "Duro de Matar" (que deve ganhar em breve um sexto filme). Quem assistiu algum dos cinco filmes vai associar de cara os dois filmes.
Mas isso não interfere, o que vale é que Bruce Willis respeitou o personagem iconizado por Charles Bronson e entregou um "Desejo de Matar" nos moldes do original, com muito tiro, porrada e um insano desejo de vingança. Algumas mudanças poderão ser notadas, sem que isso interfira muito no enredo. Do arquiteto sério de poucas palavras (características de Bronson), morador de Nova York, o personagem Paul Kersey de Willis agora é um médico cirurgião de Chicago, mais simpático, tranquilo que vive para a família e o trabalho. Mas quando se transforma no vingador das ruas, a postura é a mesma de John McClaine, o policial da franquia "Duro de Matar". E ambos só querem defender sua mulher e filha e se vingar daqueles que fizeram mal a elas.
"Desejo de Matar" tem muita ação, bom efeitos visuais e uma trama bem trabalhada e atualizada, com a escolha certa de Bruce Willis para o papel principal, que nem precisou mudar sua forma de atuar em seus filmes policiais. Como se trata de um remake, a criatividade no roteiro não precisou ser muito grande, adaptando apenas as situações para a profissão do novo Paul Kersey. No entanto, Charles Bronson marcou uma geração que hoje está acima de 40 anos e curtia filmes policiais na época. Sobre o filme de 1974, então dirigido por Michael Winner, além de Bronson o elenco contava também com Hope Lange como Joanna, esposa morta de Kersey, Vincent Gardenia, como o detetive Frank que investiga o caso e a atuação do Anjo da Morte, e Jeff Goldblum. A produção agradou tanto que originou outros três filmes. Herbie Hancock arrasou na trilha sonora.
Já no atual, Joanna vira Lucy e é interpretada por Elisabeth Shue, enquanto Camila Morrone faz o papel de Jordan, a bela filha de Paul. Dois detetives investigam o crime - Rains e Jackson, interpretados por Dean Norris e Kimberly Elise. Os roteiristas criaram mais um integrante para a trama, Frank Kersey, papel entregue a Vincent D´Onofrio, que não tem qualquer função e é totalmente dispensável.
E no final, toda a história gira em torno da vingança de Kersey contra o grupo de assaltantes que invadiu sua casa numa noite, matou sua mulher e feriu gravemente sua filha. Sem uma atuação muito eficaz da polícia Kersey resolve se armar e se torna o Anjo da Morte, que vai eliminando assassinos, traficantes e toda espécie de bandido que circula pelas ruas de Chicago enquanto procura os responsáveis pelo ataque a sua família. A polícia passa a caçar o misterioso vingador que usa moletom com capuz. Tudo isso ao som de "Back in Black", de AC/DC e de uma boa trilha sonora composta por Ludwig Goransson, que trabalhou em Pantera Negra (2018). Vale conferir o novo "Desejo de Matar" com Bruce Willis, que deu conta do recado e ainda repete a famosa pose de apontar com o dedo como se fosse uma arma. E se sobrar um tempinho assistir ao filme original para relembrar ou conhecer Charles Bronson.
Ficha técnica: Direção: Eli Roth Produção: Paramount Pictures / Metro Goldwyn Mayer (MGM) Distribuição: Imagem Filmes Duração: 1h49 Gênero: Ação País: EUA Classificação: 18 anos Nota: 3,5 (0 a 5)
Rami Malek arrasa na interpretação. Como se incorporasse Freddie Mercury (Foto: 20th Century Fox/Divulgação)
Maristela Bretas
Uma celebração ao Queen e ao extraordinário Freddie Mercury. Este é "Bohemian Rapsody", filme produzido pela 20th Century Fox com estreia prevista para 24 de outubro deste ano. No papel do vocalista que desafiou os estereótipos e quebrou as convenções para se tornar um dos artistas mais amados do planeta está Rami Malek, que arrasa na interpretação. Como se incorporasse Freddie Mercury, além do ótimo trabalho de maquiagem.
Da esquerda para direita: Rami Malek/Freddie Mercury, Gwilym Lee/Bryan May, Joseph Mazzello/John Deacon e Ben Hardy/Roger Taylor
O trailer de arrepiar divulgado nesta terça-feira mostra a ascensão meteórica da banda apresentando suas canções mais marcantes, a união e os atritos entre os integrantes, os triunfos, o estilo de vida fora de controle de Mercury fora de controle e a reunião triunfante na véspera do Live Aid, quando ele, já com Aids, leva a banda a uma das maiores performances da história do rock. No elenco estão também Gwilym Lee (Bryan May), Ben Hardy (Roger Taylor), Joseph Mazzello (John Deacon), Lucy Boynton (Mary Austin), Aidan Gillen, Allen Leach, Tom Hollander e Mike Myers.
Interpretação impecável de Helen Mirren e Donald Sutherland como o casal Spencer (Fotos: Sony Pictures/Divulgação)
Mirtes Helena Scalioni
Embora a comparação pareça inevitável por se tratar do mesmo tema - o relacionamento de um casal de velhos - "Ella e John" ("The Leisure Seeker") não tem a mesma sutileza do inesquecível "L'Amour", de Michael Haneke, obra-prima do cinema francês. Mas, trata-se, ainda assim, de um filme importante sobre a maturidade, suas limitações e constrangimentos.
Dirigido pelo italiano Paolo Virzi, o longa, em cartaz no Belas Artes 1 (16h20 e 18h40) e Net Cineart Ponteio 2 (17h e 21h10), narra a aventura de Ella e John Spencer, que fogem dos filhos para viajar de Boston à Florida e ele, que já passou dos 80, é quem dirige o velho motor home da família.
Aos poucos, o espectador vai compreendendo o motivo do desespero dos dois filhos do casal quando descobrem a fuga dos pais: John apresenta sinais de Alzheimer, intercalando pequenos momentos de lucidez com alucinações e esquecimentos, e Ella transparece ter alguma doença grave, embora se mostre forte e tente manter as rédeas do projeto.
Apaixonada pelo marido, professor aposentado de literatura, ela quer ajudá-lo a realizar o sonho de conhecer a casa onde viveu o escritor Ernest Hemingway, na Flórida, e que se transformou em museu. Aos trancos e barrancos, lá vão eles, enfrentando todos os sustos e surpresas cabíveis numa estrada.
Além das belas paisagens, esse verdadeiro road movie da terceira idade envolve e enternece também pelas reflexões, dramas e alguma tensão. Pode ser que haja algum exagero no humor, pode ser que falte a delicadeza que tanto encanta em "L'Amour". Apesar disso, "Ella e John" é uma comédia dramática imprescindível. Ao final, dá vontade de aplaudir as atuações primorosas de Hellen Mirren e Donald Sutherland, que, sem nenhum pudor ou verniz, vivem com verdade as dores e transformações da velhice - mais realidade do que romance. Difícil não chorar. Classificação: 14 anos Duração: 1h53
O diretor Civeyrac conta a história de um grupo de amigos que frequentam a Universidade francesa "Paris 8" (Fotos: Photorammes Provinciale/ Divulgação)
Matheus Ciolete
O décimo segundo filme do diretor francês Jean-Paul Civeyrac volta o olhar a um grupo particularmente conhecido pelo cineasta: os estudantes de cinema. Civeyrac é um professor de cinema na universidade francesa “La Fémis” e nesse filme conta a história de um grupo de amigos que frequentam Paris 8, universidade fundada em 1969, com ligações à onda de protestos que ocorreram no país em maio de 1968 e que intitula o longa.
É nesse cenário, um ambiente estudantil, que a estória da graduação de Etienne (Andranic Manet) se desenrola. Vindo de Lyon, o personagem principal enfrenta uma série de aventuras, principalmente amorosas, quando começa a viver em Paris. Lá divide o apartamento com Valentina e por intermédio dela faz seus primeiros amigos relacionados ao cinema. É quando Etienne conhece Jean-Noël (Gonzague Van Bervesselès) que o apresenta à Mathias Valence (Corentin Fila), o estereótipo do aluno problema talentoso.
A amizade entre Etienne e Mathias estabelece-se, em primeira instância, em função da antipatia a William (colega de classe com um cinema de tendências comerciais), e perdura com tal intensidade, ao menos por parte de Etienne, que não é exagerado cogitar a possibilidade de um romance, que acaba não acontecendo, entre os dois. Etienne rompe com Lucie, a namorada que deixa no interior, não sem antes traí-la, e Valentina é sucedida por Annabelle enquanto colega de apartamento.
Etienne consegue um emprego, onde conhece Barbara e ganha a simpatia de um professor que o auxilia ao longo de sua jornada em busca do diploma. A partir daí o núcleo dos personagens principais está estabelecido e desenrola-se uma verdadeira quadrilha de Drummond: Lucie amava Etienne, que amava Annabelle, que amava Mathias, que não amava ninguém. Jean-Noel amava Etienne, que não amava Valentina.
Jean-Noel alia-se a William, que não amava Mathias. Mathias suicidou-se, Lucie ficou para titia e Etienne termina com Bárbara que não havia entrado na história.
Embora os minirromances sejam o que preenche o filme e o fio condutor a graduação de Etienne e seus desafios, são as questões discutidas pelas personagens acerca do próprio cinema que conferem certo charme à produção. Nesse ponto, "Paris 8" ("Mes Provinciales") é metalinguagem, é um filme discutindo sobre filmes. Um diretor que dedicou toda a vida a estudar filmes, filmando a juventude estudando filmes.
Justamente por se tratar de um filme feito por um professor de cinema sobre alunos de cinema, muitas das questões giram em torno de temas caros aos cinéfilos e à cinefilia. “Eu gosto de cinema, não de imagens” diz Etienne, pautando a questão: O que é um filme? Ou quando Annabelle pergunta à Mathias Valence: “Você acredita que os filmes podem salvar o mundo?” tensionando o papel da arte enquanto transformadora da realidade.
É claro que um filme não deixa de ser uma sucessão de imagens, dispostas de certa maneira dentro de uma linguagem relativamente pré-estabelecida, fixadas em película ou em arquivo digital. No entanto, nem o mais literal dos humanos se satisfaria com essa resposta. Por um motivo simples: o que descrevemos foi apenas o aparato técnico necessário para que se faça um filme.
O que nos leva a assisti-lo definitivamente não é a sua forma material, mas justamente o que emana dela. Um filme, ou pelo menos um bom filme, são as experiências subjetivas do autor dispostas em uma história contada em linguagem cinematográfica. A vida não é preto no branco e por isso o valor da arte está na capacidade de trazer à tona o espectro cinza que existe entre o certo e o errado, o bom e o mau, o bonito e o feio.
De nada vale a sucessão de planos e enquadramentos se não estiverem se desdobrando nestas áreas cinza, próprias à condição humana, não será nada além de imagens se sucedendo da forma mais artificial e tediosa possível.
O Cinema só vale a pena quando é uma arte dos “entres”. Talvez fosse essa a grande tensão entre as personagens Mathias Valence e William. Embora este último conseguisse realizar filmes tecnicamente bons, filmes que “parecem filmes de verdade” - segundo um colega de sala - não fossem filmes que conseguissem dialogar com aquilo que é tanto sua matéria prima quanto seu consumidor final: o ser humano.
Fora isso, "Paris 8" tem uma trama simples, com a narrativa linear desenrolando-se em quatro capítulos e é filmado em preto e branco, tem longa duração (137 minutos), o que somado à preferência do autor pelas cenas com o enquadramento fechado, marca registrada de Civeyrac - a julgar por outro filme dele que assisti - "À Travers La Forêt" (2005), disponível com legendas em inglês no Youtube - pode incomodar gerando certa claustrofobia visual.
"Paris 8" é um filme que pode interessar a um público de cinéfilos, em parte pelo conteúdo e referências que faz, como a professora da universidade citando Fellini, Antonioni, Dario Argento, Mario Brava como exemplos de excelência do cinema italiano, e em parte pela relação autor filme extrínseca à obra.
Mas que possivelmente encontraria uma resistência do grande público principalmente pela sua longa duração e seu registro em preto e branco. Feitas as devidas ressalvas, é um filme que eu recomendaria para quem estiver disposto a experimentar algo fora do circuito mainstream do cinema mundial.
Ficha técnica: Direção e roteiro: Jean Paul Cuveryac Produção: A Real Passion Distribuição: Cineart Filmes Duração: 2h17 Gênero: Drama País: França
Annie e Max formam uma dupla de jogadores viciados em jogos caseiros (Fotos: Warner Bros. Pictures/Divulgação)
Maristela Bretas
Jason Bateman e Rachel McAdams formam um casal bem sincronizado nos diálogos e nas cenas de ação cômicas, mas o talento de ambos foi mal explorado pelos diretores de "A Noite do Jogo" ("Game Night"), que entregam uma comédia comum, com poucas cenas engraçadas, que foi salva graças à dupla.
A história é interessante e leva o público a várias conclusões para a trama que envolve três casais amigos viciados em jogos caseiros, comandados por Max (Jason Bateman) e Annie (Rachel McAdams). Até que um dia, o irmão de Max, o bon vivant Brooks (Kyle Chandler) aparece para apimentar a noite de jogos do grupo propondo algo mais pesado e realista, com direito a sequestro de um dos participantes, assassinato e um grande prêmio no final.
O que o grupo não imaginava era que acabaria envolvido num esquema criminoso de tráfico de drogas que colocaria a vida de todos em risco. Isso sem contar o vizinho sinistro, Gary (Jesse Plemons), que é policial e anda com um cachorrinho branco de estimação para todo lado querendo participar das partidas. A partir daí, "A Noite do Jogo" toma vários rumos, levando a finais inesperados. Esse é ponto que agrada nesta comédia de ação. Mas faltaram mais situações engraçadas.
Os diretores Jonathan Goldstein XII e John Francis Daley (que dirigiu "Férias Frustradas" - 2015 e também interpretou o psiquiatra Sweets, da série de TV "Bones", de 2007 a 2014) deram uma de Stan Lee e também fizeram uma ponta como atores, enquanto Jason Bateman além de ator também foi um dos produtores. "A Noite do Jogo" é uma comédia que não marca, mas atende como entretenimento de sessão da tarde. O tema escolhido tão bom poderia ter sido um grande sucesso, mas foi mal aproveitado.
Ficha técnica: Direção: Jonathan Goldstein (XII) // John Francis Daley Produção: New Line Cinema // Warner Bros. Pictures Distribuição: Warner Bros. Pictures Brasil Duração: 1h39 Gêneros: Ação / Comédia País: EUA Classificação: 14 anos Nota: 3 (0 a 5)
Um detalhe do longa que merece destaque: a música. "Paraíso Perdido" é todo embalado e costurado por canções populares que algum desavisado pode chamar de bregas. Pode, mas não deve. O diretor musical do filme é Zeca Baleiro e isso faz toda a diferença. Que ninguém espere cantorias manjadas do tipo "Eu não sou cachorro não", "Sandra Rosa Madalena" e "Receba as flores que te dou". Baleiro não se rendeu ao óbvio.
Os cantores e cantoras da boate dilaceram o peito do espectador apresentando pérolas românticas como "Sonhar contigo", de Adilson Ramos ("este é o meu maior desejo/ tomar tuas mãos, calar tua voz num longo beijo"), "Impossível acreditar que perdi você", de Márcio Greick ("não, eu não consigo acreditar no que aconteceu"), "Tortura de amor", de Waldick Soriano ("hoje que a noite está calma/e minh'alma esperava por ti") e "As minhas coisas", de Odair José ("o meu casaco com você se acostumou/ sentiu tanto a sua falta/ que de tristeza desbotou").
