O ótimo “Doutor Castor” revela que também o Brasil tem uma máfia pra chamar de sua

Documentário em quatro episódios conta a vida de um dos maiores contraventores do país (Fotos: Globoplay/Reprodução)

 

Mirtes Helena Scalioni

Personagens absurdos, incoerentes e paradoxais costumam encantar leitores e espectadores da ficção. E quando essas figuras saltam dos livros e das telas para o mundo real, aí sim é que fascinam e instigam. É o caso do bicheiro Castor de Andrade, cujas vida e obra são contadas com maestria no documentário “Doutor Castor”, em cartaz no Globoplay. Em quatro episódios bem amarrados, imagens inéditas e uma variedade grande de depoimentos, a minissérie prende e fisga o público.

Nascido em 1926, o carioca Castor Gonçalves de Andrade e Silva se estabeleceu e fez sua vida, digamos, profissional, em Bangu, subúrbio do Rio de Janeiro. Simpático, carismático e sedutor, era capaz de gestos extremos de generosidade e crueldade num mesmo dia sem perder o sorriso. Afinal, tinha nas mãos o poder de comando das duas maiores paixões do Brasil: o futebol e o Carnaval.

Bicheiro assumido, Castor presidiu praticamente a vida toda o Bangu Atlético Clube, que viveu sua fase áurea nas décadas de 1960 a 1985, ano que conquistou o vice-campeonato brasileiro, além de comandar a Mocidade Independente de Padre Miguel, escola que foi cinco vezes campeã do Carnaval. 

Tendo essas duas funções como vitrine, ele circulou pelo high society carioca, frequentou a mesa de políticos influentes e fez muitos amigos na imprensa, na polícia e na Justiça. Ou seja: sua vida está intimamente ligada à história do Rio de Janeiro, com suas estranhas relações de poder que ligam a bandidagem à oficialidade.

O que mais confere autenticidade ao documentário dirigido por Marco Antônio Araújo e Rodrigo Araújo são os depoimentos, variados e editados de forma inteligente e equilibrada. Historiadores, pesquisadores, ex-jogadores, amigos e jornalistas contam histórias curiosas, edificantes, inacreditáveis e escabrosas do bicheiro.

Chamam atenção as falas de um ex-juiz de futebol, que confessa ter recebido propina para beneficiar o time do Bangu; de Boni, ex-todo poderoso da Globo, que despista como pode sua relação de amizade com Castor; e de Michel Assef, ex-advogado do contraventor, que tenta justificar seus crimes. Sem falar na entrevista que ele, como um pop star, concedeu a um então poderoso Jô Soares.

Capítulo à parte entre os depoimentos são as declarações mais do que contundentes da juíza Denise Frossard, responsável por um dos processos e uma das prisões de Castor de Andrade, marcando, talvez, o início da derrocada do império do maior bicheiro do Brasil. 

Ao desnudar as relações da contravenção com o poder, revelando o talento e senso de oportunidade do nosso “capo di tutti i capi”, “Doutor Castor” coloca o Brasil no rol dos países que, além de tratar bem, compactuam e acobertam seus mafiosos, com sua violência, bizarrices e malas sempre repletas de dinheiro.

Ficha técnica:

Direção: Marco Antônio Araújo
Exibição: Globoplay
Duração: Série de 4 episódios (média de 60 minutos)
País: Brasil
Gêneros: Documentário / Série

Terror russo "A Viúva das Sombras" não merece nem a pipoca

Produção passa a maior parte do tempo numa floresta escura, habitada por uma entidade maligna (Fotos: Divulgação)

Maristela Bretas

Muito escuro. A ponto de deixar o público incomodado, pois tira o impacto das cenas de terror a que se propõe, mas deixa muito a desejar. Este é "A Viúva das Sombras" ("Vdova"), produção russa que estreou nessa quinta-feira (25) nos cinemas Cinemark BH Shopping, Cinépolis Estação BH e Grupo Cine/Sete Lagoas, em versões dublada e legendada. Para ajudar a espantar o público do cinema, o roteiro é ruim, os atores e os diálogos são fracos e sem impacto algum, principalmente pelo gênero escolhido.

 

O filme é inspirado em eventos reais, com a narrativa começando com depoimentos de moradores de um vilarejo perto de São Petesburgo, onde crimes sem solução ocorrem há 30 anos. A partir daí, passa para uma equipe de voluntários que trabalha nas florestas próximas a procura de pessoas perdidas. Desta vez, o grupo está acompanhado de uma cinegrafista que está registrando os trabalhos de resgate.

Os cinco integrantes são convocados para ajudarem nas buscas a um garoto na floresta, em meio a pântanos profundos, estradas ruins e com deslizamentos de terra exigindo desvios. No passado, várias pessoas foram encontradas mortas e nuas nesta mesma floresta. Mas o grupo acaba descobrindo mais do que esperava e enfrentando uma entidade maligna que seria a responsável pelas mortes.

 

 

A sequência de cenas entre a entrada na mata e o final é uma lição de como fazer um roteiro fraco e totalmente previsível. Daqueles que dá vontade de sair da sala de cinema ou desligar a TV já nos primeiros 15 minutos. Para agravar a situação, são muitas imagens com pouquíssima luz, o que impede de acompanhar o desfecho de algumas cenas, principalmente as que a tal viúva que habita no pântano ataca as vítimas. 

 

Não é um filme para ser assistido em tela de smartphone, notebook ou televisão (fica o alerta para quando for para o streaming). As cenas escuras na floresta à noite são quebradas são quebradas apenas quando alguém liga uma lanterna ou acende a fogueira.

Para completar, as atuações deixam a desejar, com nomes desconhecidos de pessoas que não têm qualquer conexão. Como se colocassem vários atores num set, cada um com seu texto para decorar e fazendo filmes independentes, sem ligação um com o outro. Difícil encontrar um ponto que ajude a salvar "A Viúva das Sombras" de ser, até o momento, o pior lançamento de terror deste ano. No mesmo nível de qualidade de "A Noiva" (2017), outra produção russa ruim demais.

 

  

Ficha técnica:

Direção: Ivan Minin
Distribuição: Paris Filmes
Duração: 1h54
Pais: Rússia
Gênero: Terror
Classificação: 16 anos
Nota 1,5 (0 a 5)

"Mais Que Especiais" propõe um debate sobre o tratamento do autismo severo

Reda Kateb e Vincent Cassel são responsáveis por duas organizações sem fins lucrativos que cuidam de jovens autistas (Fotos: Carole Bethuel/California Filmes)

Jean Piter Miranda

É bem possível que hoje em dia todo mundo conheça ao menos uma pessoa autista. Segundo a Organização Mundial da Saúde (OMS), uma em cada 160 crianças tem transtorno do espectro autista (TEA). Mas, talvez, poucas pessoas saibam que os autistas não são todos iguais. Eles podem apresentar dificuldades de comunicação e de socialização, em maior ou menor grau, entre outras características. Muitos filmes já abordaram esse tema. E o mais novo que chega nesta quinta-feira (25) aos cinemas é o francês “Mais que Especiais” ("Hors Normes").

 

O filme conta a história de Bruno (Vincent Cassel) e Malik (Reda Kateb). Eles são responsáveis por duas organizações sem fins lucrativos que cuidam de jovens autistas que foram recusados por outras instituições, por terem comportamento extremamente agressivo. A obra é baseada em uma história real, passada na França, que mostra o belo trabalho social desenvolvido pela dupla e todas as dificuldades que eles enfrentam.

 

 Bruno e Malik lidam diretamente com os jovens autistas de forma afetiva, mostrando que entendem o que estão fazendo. Ao mesmo tempo, eles têm que fazer de tudo um pouco: cuidar da parte administrativa, pagar funcionários, correr atrás de dinheiro, treinar cuidadores, lidar com a burocracia do governo, entre outras coisas. Sem contar que, pra agravar ainda mais a situação, os autistas que eles cuidam são de famílias carentes. É drama em cima de drama.

 

 

Ao longo do filme, vemos a luta de Bruno e Malik para dar qualidade de vida aos autistas que eles cuidam. Eles tentam de tudo para socializar os jovens, com tratamento bem humanizado. O que contrasta com a terapia oferecida pelas instituições tradicionais, baseada em isolamento e medicamentos sedativos. E nisso vemos também a principal preocupação dos pais: “O que vai ser do meu filho quando eu morrer? Quem vai cuidar dele?”.

"Mais que Especiais" é bem dramático. Tem cenas fortes, que mostram os jovens tendo crises, de Bruno e Malik rodando a cidade, correndo a procura de autistas que ficaram perdidos pelas ruas. Além da fiscalização dos órgãos do governo, que cobram muito e praticamente não oferecem ajuda. É um filme que traz um olhar bem diferente sobre o autismo, como talvez nunca tenha sido mostrado.

 

 

Vincent Cassel está maravilhoso, como sempre. E isso conta muito. O filme é dos diretores Olivier Nakache e Éric Toledano, os mesmo que fizeram “Intocáveis” (2011). "Mais que Especiais" propõe muitas reflexões. Apresenta uma realidade da França, mas que certamente tem muitas semelhanças com o que é vivido em várias partes do mundo. Não é uma história de superação, nem bonitinha. É uma história de dores, de renúncia e, principalmente, de amor a uma causa. É uma obra necessária que merece ser vista.

 

Ficha técnica:
Direção: Olivier Nakache e Éric Toledano
Distribuição: Califórnia Filmes
Exibição: Nos cinemas
Duração: 1h54
País: França
Gênero: Comédia
Nota: 3,5 (de 0 a 5)

"A Escavação" - produção britânica se destaca pela bela fotografia e ótimas interpretações

 

Ralph Fiennes e Carey Mullingan se unem para mostrar a versão real de uma grande descoberta histórica (Fotos: Larry Horricks / Netflix)

Maristela Bretas

Com a Segunda Guerra Mundial prestes a começar, uma viúva inglesa rica contrata um escavador para descobrir se há um tesouro arqueológico enterrado sob suas terras. Esta é a história de "A Escavação" ("The Dig"), um dos lançamentos da Netflix que tem em seu elenco principal Carey Mullingan, Ralph Fiennes e Lily James. A descoberta é a de Sutton Hoo, ocorrida em 1938, creditada a seu verdadeiro descobridor muitos anos depois.

Inspirada em fatos reais e que deu origem ao livro de mesmo nome escrito por John Preston, o filme conta como foi o trabalho do escavador Basil Brown (Fiennes) e um pequeno grupo, contratado pela viúva Edith Pretty (Mulligan) até a descoberta de uma embarcação anglo-saxônica. Com 1.400 anos de idade e medindo 27,4 metros de comprimento, o barco continha grande quantidade de ouro e uma câmara mortuária de inestimável valor histórico para o Reino Unido.

 

O interior da Inglaterra foi escolhido para as belas locações, apesar de prevalecerem os tons pastéis e acinzentados, inclusive nos figurinos, reforçados pela chuva e frio. A opção de filmar Basil Brown circulando de bicicleta por estradas e pelos campos permite ao espectador apreciar as paisagens.

Um drama típico de guerra, apesar de a mesma ainda não ter começado. Tudo gira em torno dela, da escavação que precisa ser apressada antes que a área seja atingida por bombardeios alemães, aos relacionamentos ocultos e vidas perdidas. A todo o momento, aviões britânicos de combate sobrevoam a área lembrando que falta pouco. Assim como as notícias nos bares e as conversas nos eventos.

 

Montagem sobre cenas do filme e as escavações de 1938

Destaque para Ralph Fiennes interpretando um profissional especialista em escavações arqueológicas, mas menosprezado por aqueles que possuem uma formação acadêmica sem nunca terem colocado a mão na massa. Para ele, a descoberta da embarcação histórica representa o reconhecimento de uma vida voltada para a arqueologia, que ele nunca estudou, mas tem conhecimento e experiência maiores que muitos graduados.

 

Carey Mullingan entrega uma Edith Pretty sofrida e convence como boa mãe e viúva que quer completar a vontade do marido morto, fazendo da descoberta uma parte também de seu legado. Outra que deixa sua marca é Lily James, como Peggy Preston, apesar de parecer que está sempre interpretando o papel de coitadinha. 

 

No elenco estão ainda Johnny Flynn (Rori Lomax), como o fotógrafo da equipe; Ben Chaplin (Stuart Piggott), marido de Peggy Preston; Ken Stott (Charles Phillips), o arrogante arqueólogo; e Monica Dolan (May Brown), a compreensiva e dedicada esposa de Basil Brown.

 

Apesar de um final previsível, o diretor Simon Stone conseguiu dar um toque a mais de emoção ao drama ao mostrar quem foi o verdadeiro descobridor da relíquia e que a história não mencionava. "A Escavação" merece ser conferido pelas interpretações, especialmente da dupla principal, e a bela e poética fotografia de Mike Eley que dá sustentação ao enredo da trama.

‌Ficha técnica:
Direção: Simon Stone
Duração: 1h52
Exibição: Netflix
Classificação: 14 anos
País: Reino Unido
Gêneros: Drama /Histórico
Nota: 4 (0 a 5)

"Berlin Alexanderplatz" é o drama contemporâneo perfeito adaptado de um clássico da literatura

Filme foca na trajetória de um imigrante ganês que busca um futuro com dignidade no continente europeu (Fotos: Frederic Batier Sommerhaus/Filmproduktion)

Wallace Graciano

Se você chegou a esta crítica pelo Google procurando pelo termo "Berlin Alexanderplatz" no buscador, deve ter estranhado que as primeiras respostas não retratavam a película alemã lançada em 2020 (e que entra em cartaz nos cinemas brasileiros nesta quinta-feira (18), mas, sim, ao livro de quase um século atrás. 

 

E sim, o filme no qual vamos comentar hoje é baseado no clássico romance homônimo de Alfred Döblin. Porém, agora, a estrutura de outrora é condensada em uma narrativa contemporânea, que traz o drama e as facetas que envolvem a trajetória de um imigrante neste Século XXI.

A película nos apresenta Francis (Welket Bungué), um imigrante ganês que foi resgatado em meio ao drama que envolve quem tenta sair de um país assolado por conflitos sociais e desigualdade em busca de um futuro minimamente digno. Ainda refém de suas lembranças do passado, ele chega à Alemanha sem documentos, prometendo aos céus que será um homem leal e em busca de um caminho honrado.

Como boa parte de seus pares, ele trabalha ilegalmente em uma metalúrgica de Berlim, onde descobre que suas promessas e juras aos deuses dificilmente serão cumpridas, já que passa por diversas provações e dificuldades para ter o mínimo de possibilidade de ascender à dignidade buscada.

 

Em uma delas, especificamente, é traído pelos seus companheiros de trabalho (também ilegais) ao tentar salvar um deles de um destino trágico. Abandonado à própria sorte, opta por aceitar o convite de um traficante, Reinhold (Albrecht Schuch), que dias antes tinha ido ao alojamento onde estavam baseados para convidá-los para o submundo do crime.

É neste momento que a vida de Francis tem uma reviravolta. De promessas quebradas a um novo nome (é rebatizado por Reinhold), o protagonista passa a encarar sua pessoalidade. A partir desse momento, o drama e a catarse passam a coexistir em uma racionalidade objetiva de um cenário que enuncia a tragédia contemporânea.

Tudo, claro, por meio de um roteiro consistente, que evita que as quase três horas de filme fiquem morosas. Parte disso deve-se à excelente atuação de Schuch, que parece caricata a quem vê de primeira, mas se entrega a um personagem intimidador e sedutor em várias camadas. A ele soma-se a estética do brilho da noite contemporânea das grandes metrópoles, contrastada com o bucolismo do dia durante o inverno/outono europeu, em sua maioria através de planos longos.

O autor deste relato não leu a obra original, mas sentiu durante as três horas de "Berlin Alexanderplatz" um filme impactante, que intimida ao te trazer para a tragédia anunciada da vida de milhões de imigrantes em meio ao cenário caótico do abandono aos apátridas. 

 

Ficha técnica:
Direção: Burhan Qurbani
Roteiro: Burhan Qurbani, Martin Behnke
Duração: 1h23
Distribuição: A2 Filmes
Países: Alemanha / Holanda
Classificação: 16 anos
Gênero: Drama

Arrastado, unindo ficção e realidade, “Nona: Se Me Molham, Eu Os Queimo” promete, mas não diz a que veio

Josefina Ramirez faz uma atuação com dignidade e talento a protagonista (Fotos: Vitrine Filmes/Divulgação)

Mirtes Helena Scalioni

Qualquer pessoa minimamente interessada em cinema fica imediatamente curiosa ou interessada ao ler a sinopse de "Nona: Se Me Molham, Eu Os Queimo" (“Nona, si me mojan, los quemo”), filme chileno em coprodução com Brasil, França e Coreia do Sul. Ou seja: não se trata de uma empreitada qualquer. A estreia está prevista para quinta-feira (18) nos cinemas.

“Aos 66 anos, Nona decide finalmente se vingar de seu ex-amante e comete um atentado que a obriga a fugir para que não seja presa. Depois de se estabelecer em uma cidade costeira do Chile, um incêndio de grandes proporções obriga seus vizinhos a deixarem suas casas, mas estranhamente sua moradia é a única a não ser afetada”.

Mas, verdade seja dita: “Nona...” não é um filme fácil de ver. Arrastado, arrastadíssimo, parece, a princípio, um filme caseiro. Na verdade é, pelo menos em parte. A diretora, Camila José Donoso, que também assina o roteiro, mistura ficção com vídeos domésticos de sua avó real, Nona, mulher misteriosa e guerreira que militou na resistência da ditadura de Augusto Pinochet.

Acontece que esses filmetes são talvez utilizados em excesso, em várias situações, e sempre por longos períodos de tempo. Outro detalhe: cenas que poderiam ser facilmente resolvidas com começo e fim se alongam infinitamente no miolo, no processo, sem nenhuma necessidade. Além de distrair, desconcentra o espectador. Cansa.

 

 

O que salva no longa chileno é a atuação de Josefina Ramirez, que faz com dignidade e talento a protagonista Nona, de quem o espectador fica sabendo pouquíssimas coisas: que gosta de dançar, que costuma mentir, que é meio dissimulada, quase bipolar. E que aprendeu, na ditadura, a fabricar artesanalmente e com certa destreza, coquetéis molotov capazes de fazer grande estrago em um carro, destruir casas ou de tocar fogo em florestas.

 

Chama atenção também a participação – pequena, mas marcante para nós, brasileiros – de Du Moscovis, que entra meio sem aviso nem explicação, atua quase como um figurante de luxo, aumentando ainda mais as dúvidas do espectador. Há coisas no filme que o público desconfia, mas não consegue ter certeza quando termina a

história. Para os que gostam desse tipo de jogo, "Nona: Se Me Molham, Eu Os Queimo" é um prato cheio.

Por uma questão de justiça, registre-se também a atuação dos demais que aparecem no filme: Gigi Reyes, Paula Dinamarca e Nancy Gomez, além de outros, não atores, com participações irrisórias. Fora Josefina Ramirez e Du Moscovis, ninguém mais se destaca na trama.

 

Pode ser que os cinéfilos mais ligados nos chamados filmes de arte apreciem o longa e toda a simbologia que há embutida nele. Mas não se trata de uma trama fácil de ser assimilada. Ao final da história, o espectador fica sabendo, concretamente, que Nona se muda de Santiago para a cidade costeira de Pichilemu, vive sozinha numa casa relativamente grande e com quintal cheio de plantas, e que, entre outros detalhes, convive relativamente bem com os constantes incêndios na sua vizinhança. Mais do que isso, impossível.

Ficha técnica
Direção e Roteiro: Camila José Donoso
Distribuição: Vitrine Filmes
Países: Chile / Brasil / França / Coreia do Sul
Duração: 1h26
Classificação: 12 anos
Gêneros: Documentário / Ficção

"Cidade Invisível", uma belíssima e instigante produção que conecta a realidade às lendas do folclore brasileiro

 Marco Pigossi é o policial ambiental que descobre criaturas folclóricas vivendo entre os humanos (Fotos: Alisson Louback/Netflix)

Silvana Monteiro

Criada por Carlos Saldanha, a série "Cidade Invisível", dirigida por Júlia Pacheco Jordão e Luis Carone, e roteirizada por Raphael Draccon e Carolina Munhóz, lembra bastante o seriado "Once Upon A Time" ("Era Uma Vez"). Enquanto a produção norte-americana relaciona os contos de fada infantis, a produção brasileira reúne em um espetacular enredo, as lendas populares do nosso folclore.

A série já encanta na abertura, que tende a envolver pela confluência de imagens em uma composição que prende o olhar. Carlos Saldanha consegue interligar comunidade ribeirinha, praia e ocupação urbana com muita maestria, fazendo com o que telespectador reflita sobre a invisibilidade das pessoas tanto no sentido figurado, quanto em sua real condição. 

 

 

Outro ponto positivo de "Cidade Invisível" é que os personagens que não levam os nomes específicos de suas lendas podem ser interpretados à maneira local, pela leitura regional dos telespectadores. Como por exemplo, a de Inês, vivida por Alessandra Negrini, e a de Tutu, interpretado por Jimmy London. Afinal, o Brasil tem centenas de lendas e cada delas toma características únicas.

 

 

Na história, Erick (Marco Pigossi) é um policial ambiental casado com a ativista Gabriela (Julia Konrad) e pai de Luna (Manu Dieguez). Durante os festejos em uma comunidade ribeirinha cercada pela Mata Atlântica, na região metropolitana do Rio de Janeiro, onde Gabriela desenvolve algumas atividades, uma tragédia vai por fim à tranquilidade familiar.

A partir desse ponto e do encontro de um boto rosa em praia carioca, pai e filha se tornarão o foco de um enredo cheio de mistérios e magia. A descoberta dessas criaturas folclóricas vivendo entre os humanos vai levar Erick a buscar respostas para seu passado e fazer com que ele e sua filha fiquem definitivamente ligados aos moradores do lugar.

Uma das boas surpresas da série é a interpretação do Curupira entregue por Fábio Lago, um excelente ator que estava há tempos ausente das produções. O experiente José Dumont também domina no papel de Ciço, um ribeirinho que vive na pele as crenças e lendas de sua ilha de pescadores. 

 

 

O seriado também traz caras novas e com personagens que encantam pela interpretação: Jessica Córes vive Camila, uma belíssima sereia negra, e Wesley Guimarães, vivendo Isac, que dá vida ao Saci.

Fica aqui um ponto que vale reflexão: será que tudo que vemos é realmente aquilo que acontece? Seriam os excluídos, minorias, transeuntes e pessoas em situação de rua, seres especiais de uma "cidade invisível"? Abra bem seus olhos e ouvidos e tente entender aquilo que nem sempre parece o óbvio. 

 

Ficha técnica:
Direção: Carlos Saldanha
Exibição: Netflix
Duração: Média de 30 minutos por episódio (1ª Temporada - 7 episódios)
Classificação: 16 anos
País: Brasil
Gêneros: Drama / Fantasia / Série de TV

“O Tigre Branco” faz o elogio da malandragem como arma para driblar a injustiça social

Longa indiano acaba de chegar à Netflix com muito sucesso, abordando a luta de classes (Fotos: Netflix)

Mirtes Helena Scalioni

A desigualdade é gritante. Enquanto uns poucos se esbaldam em carrões, mansões e fartura, a maioria vive a miséria das ruas e a fome. Frequentemente, empresários bem-sucedidos entregam malas de dinheiro a políticos corruptos, num círculo perverso de troca de favores para manutenção das diferenças.

Nas periferias, os miseráveis que mal têm o que comer, são subjugados e, submetidos à violência, obrigados a pagar propinas a milicianos. Raramente, os políticos aparecem nos bairros pobres. A não ser, claro, nas vésperas das eleições, com discursos e promessas de melhorias que nunca acontecem. Eis aí um ambiente propício para o surgimento de figuras de ética duvidosa, que mentem, trapaceiam e não medem escrúpulos para vencer na vida.

Ao contrário do que parece, não se trata do Brasil. Pelo menos neste caso, o país em questão é a Índia, onde se passa “O Tigre Branco” ("The White Tiger"), contundente e festejado filme de Ramin Bahrani, americano de origem iraniana, cuja obra tem sido comparada ao premiado “Parasitas”. O longa acaba de chegar à Netflix com muito sucesso e tem, no cerne da história, a luta de classes possível numa situação em que os ricos já começam a disputa com milhões de pontos à frente dos pobres.

Baseado no livro homônimo do escritor indiano Aravind Adiga, o filme conta a trajetória de Balram Hawai (Adarsh Gourav), da infância em uma vila paupérrima da Índia, até chegar a empreendedor de sucesso em Bangalore, cidade de mais de 8 milhões de habitantes que é o centro tecnológico do país. Por mérito próprio, inteligência, sorte e malandragem, o menino pobre que vence na vida é comparado a um tigre branco, maravilha raríssima da natureza que só aparece no mundo a cada 20 anos.

A vida de Balram começa a mudar quando ele vai para a capital Deli para se tornar motorista de Ashok (Rajkummar Rao), filho de um empresário milionário e, claro, corrupto. Inteligente e convenientemente submisso, o empregado escuta segredos e aprende artimanhas enquanto conduz o patrãozinho e sua bela mulher Pink (Priyanka Chopra Jonas) pela cidade e estradas da Índia. O casal se apresenta como civilizadamente ocidentalizado, mas, quando convém, topa ser tradicional e seguir as regras da família.

Pode-se dizer, sem medo de errar, que o sucesso de “O Tigre Branco” vai além de uma boa história bem construída, roteirizada, filmada, editada e dirigida. As atuações são perfeitas e convincentes, principalmente a do protagonista. Impressiona a interpretação de Adarsh Gourav, excepcional em seu primeiro papel principal. Há momentos em que o espectador fica em dúvida: ele está sendo sincero?

Narrador em off da própria trajetória, recurso que nem sempre agrada, aqui a narração, os flashbacks e os comentários só enriquecem o filme, até porque a linguagem transita entre o sarcasmo, a sinceridade, a esperteza e a bem-vinda reflexão sobre a ética, seus limites e universalidade.

 

O final, meio brusco, não compromete “O Tigre Branco”, que constrói ao longo da história uma interessante metáfora com países como a Índia (e o Brasil): uma granja onde centenas de galos e galinhas estão engaiolados à espera de serem abatidos. As aves assistem diariamente a morte de seus iguais e, a não ser que consigam fugir, estão irremediavelmente condenadas como todos os que ali vivem.

 

 

Ficha técnica:

Direção: Ramin Bahrani

Exibição: Netflix

Duração: 2h07

Classificação: 16 anos

País: Índia / EUA

Gêneros: Drama / Policial

"Minha Irmã" é comovente, sensível e com interpretações arrebatadoras

Produção foi um dos destaques da 44ª Mostra Internacional de Cinema de São Paulo (Fotos: Afonso Fucci/A2Filmes)

Maristela Bretas

 

Exibido no Festival de Berlim de 2020, "Minha Irmã" ("My Little Sister" ou "Schwesterlein") entrega um roteiro sensível, que emociona e faz refletir sobre expectativas de vida, realizações e relações familiares. Com direção e roteiro de Stéphanie Chuat e Véronique Reymond, a produção também foi um dos destaques da programação da 44ª Mostra Internacional de Cinema de São Paulo. Apesar de não ter entrado na pré-lista de Melhor Filme Estrangeiro do Oscar 2021, este representante da Suíça merece concorrer a uma vaga.

 

O grande destaque está nas excelentes interpretações de Nina Hoss, como Lisa, e Lars Eidinger, como o irmão dela, Sven. Somados às atuações está a bela trilha sonora, composta por Christian Garcia, que conduz o drama como uma peça teatral. O longa tem como fundo os Alpes suíços, que oferecem uma atração à parte. A direção de fotografia soube explorar bem a luz, seja durante uma caminhada pela praça, dentro de um táxi ou no voo de asa delta.

 

 

O filme aborda a forte relação entre dois irmãos gêmeos, que chega a ser de dependência mútua, apesar de ambos terem seguido suas vidas em países diferentes. Lisa, uma mulher casada, desistiu de suas ambições como dramaturga em Berlim e se mudou para a Suíça com os dois filhos e o marido, que dirige uma escola internacional. Já Sven é a estrela do teatro Schaubühne, em Berlim. Até que ele adoece com leucemia e Lisa retorna à Alemanha para acompanhá-lo no tratamento.

 

 

A chegada da irmã dá forças a Sven para retomar a carreira, mas a doença se agrava e a relação dele com a mãe, sem esperanças quanto a uma cura, não ajuda muito. Lisa resolve levá-lo para a Suíça para esperar novos tratamentos e tentar, com o convívio com sua família, melhorar o emocional do irmão. Mas essa situação colocará em xeque seu casamento e a fará repensar sua vida conjugal e a carreira abandonada.

"Minha Irmã" é um filme que vale a pena ser visto. Até poucos dias atrás ele estava em exibição em várias salas de cinema pelo pais, inclusive em BH. Agora está disponível no formato digital, pelas plataformas de streaming Now, Google Play, Looke, Vivo Play, Microsoft Movies e Apple TV.

 

Ficha técnica:
Direção e roteiro: Stéphanie Chuat, Véronique Reymond
Distribuição: A2 Filmes
Duração: 1h39
Países: Alemanha / Suíça
Gênero: Drama
Classificação: 14 anos
Nota: 4